爆裂青春之江湖新秩序 新しい学校のリーダーズ 【一時帰国 DELUXE】

新しい学校のリーダーズ　一時帰国 DELUXE

1. じゃないんだよ
2. 青春を切り裂く波動
3. Giri Giri
4. Suki Lie
5. オトナブルー
6. 乙女の美学
7. 踊る本能001
8. オトナブルー (ハイパースクールRemix)



今年沒有特別值得推介的古典專輯，所以休息一年，抱歉。年中可是聽了不少 J-Pop。以下這一個單位，一定要與大家分享。

近月我經常在社交網絡分享 J-Pop，朋友都奇怪為何我突然哈日。其實我一直 on and off 都有留意 J-Pop，只是沒有寫而已。得罪人都要說，大部分主流 J-Pop 都很難聽，離不開以下的類型：偶像派、鋼琴加人聲的罐頭 K 歌、聽到人燥的重覆電子 dance beat、想 rock 但又 rock 不起卻 MK 的樂隊。動漫歌曲之外，你聽過幾多首歌頌日本四季的作品，又或者接觸過幾多關於友情努力勝利的工廠式製作？由平成聽到令和，轉變都不大，正如香港的 K 歌同樣一年比一年悶。下刪五百字，再講我就變廢老。

早幾年有一個傳奇的網上現象。因為 YouTube 的 recommendation system AI 不斷 spam user 加上 TikTok 的翻唱，出奇地將松原美紀 1979 年的《真夜中のドア〜Stay With Me》（午夜之門～Stay With Me）及竹內瑪利亞 1984 年的《プラスティック・ラヴ》（Plastic Love）推到全球爆紅，連帶炒起整個七至九十年代日本樂壇的歌，橫空產生「CityPop」這個連日本人都不知的 genre。誇張的是，這兩首作品紅到日本唱片公司要重新發行兼重拍 MV，更一度將竹內瑪利亞的舊專輯推回上 Oricon。現在渋谷的 Tower Records 仍長期將山下達郎及竹內瑪利亞伉儷的專輯放在當眼處，更特地弄了整個 CityPop 的唱片架供人選購。由日本紅出公海再紅回日本，有趣不有趣，更何況是四十年前的作品。





七至九十年代，即是昭和後期，所以這類 CityPop 舊歌在 J-Pop 界普稱為昭和 Pop 或昭和歌謠，香港的流行曲都改編不少，例如梅姐就改編過《Plastic Love》為《尋愛》。昭和歌謠其實很老土，早期些的不少像演歌，帶點古典美，很多歌手，男好女好，賣低音雄渾聲線（試想徐小鳳），不像現今賣萌的高音程。後期的就比較著重「City」，編曲帶著（當時時髦的）美國西岸音樂的強烈節奏感，唱盡都市（東京）的喜怒哀樂。儘管昭和 Pop 在外國出奇地復興，在日本本土新一輩中並不見得是甚麼潮物。

2023 年，J-Pop 界最勁爆作品一定非唱到全球街知巷聞、YOASOBI 的《アイドル》莫屬，動漫歌、電音加可愛型主音，這才是潮流王道，他們每首 MV 動輒一、二億播放率，勢不可擋。但說到奇葩，一定是四人女子跳唱組合新しい学校のリーダーズ（新學校的領袖們）。兩隊都剛剛在十二月初的 Clockenflap 表演過。YOASOBI 不用介紹吧，但好像很少華文傳媒介紹後者。這四位約二十歲的妹妹，更加有討論價值。

如果有 follow《The First Take》或網上熱潮的話今年大概會聽過《オトナブルー》（Otona Blue），有可能會覺得她們只是一隊著水手服賣騎呢的四人女子跳唱組合，純搞笑。《オトナブルー》的搖頭舞（首振りダンス）更成為日本年度潮語之一。但純日式搞笑又可否令她們紅到上 Jimmy Kimmel？四位自稱「青春日本代表」，「模範的なヤツばかりが評価されるこの時代、くだらない不寛容社会から、個性と自由ではみ出していく」（在這個只歡迎模範人物的時代，我們會用個性和自由超越這個無聊又不寬容的社會），到底是玩熱血還是反叛？

年中我無意中發現，領袖們的早期作品都由一位叫 H ZETT M 的人包辦。椎名林檎及東京事変的樂迷就認得，H ZETT M 乃第一期東京事変的鍵琴手，愛用高能量、高節奏感、高樂器濃度填滿聽覺空間，如東京事変的第一張專輯或椎名林檎之後的《流行》般。聽了領袖們一首叫《狼の詩》的舊作，作詞乃昭和 Pop 泰斗阿久悠，MV 是一位水手服妹妹壓低聲線唱昭和曲風的……新歌？第一次聽已覺得此團隊非等閒之輩。再聽 jazz rock 的《恋ゲバ》（戀之起義），出動到大文豪太宰治、坂口安吾、芥川龍之介及夏目漱石去質疑師生戀的道德，你就知道，這四位妹妹並非純搞笑的娛樂團隊。跟著是《試験前夜》，二個音、一大抽四字成語（四字熟語），H ZETT M jam 足四分半鐘，四位就喪跳足四分半鐘，像東京事変的《歌舞伎》般炸爆喇叭。三首歌，就此中毒了。H ZETT M 製作了她們的頭兩張專輯，大概都是用 jazz rock 的風格玩昭和曲風的新歌，個人最喜歡的是《恋の遮断機》。H ZETT M 在最新的訪問中透露，其實她們當初只是想為劇集 cover 一首昭和歌，最終卻變成兩張如此具爆炸力的專輯。這是她們的第一時期，仍未出名的年代。

J-Pop 界不尋常的事就發生。疫情期間她們簽了一間美國公司 88rising，一下子將這班在渋谷跳古怪舞、不諳英語的女孩流放到美國（慘過留學），因而認識到 Beastie Boys 的前製作人 Money Mark。Beastie Boys 乃八、九十年代著名的 hip hop 組合，與 H ZETT M 的世界完全風馬牛不相及，對於年資不淺的樂迷來說這絕對是 what the hell。她們之後都在訪問透露其實當時不知在做甚麼，卻與 Money Mark 錄了一張數碼 EP。EP 中的作品全部都不是一般 J-Pop 風格的音樂，如《Freaks》的 hip-hop、《Free Your Mind》的 punk 或《Pineapple Kryptonite》的電音，又 rap、又要唱英文甚至西班牙文，但完全聽不出任何違和感。獨特舞步、社交網絡的宣傳加古怪 MV（如《Freaks》中的相撲手及《Pineapple Kryptonite》中的水手服大戰外星人），令她們在美國開始多人關注，亦擴大她們的曲風。

2023 年，《オトナブルー》（Otona Blue）的搖頭舞突然在 TikTok 大爆紅，最終如 CityPop 般由外國紅回日本。《オトナブルー》原本其實是一首在 H ZETT M 及 88rising 時期中間、因疫情而只推出數碼版的舊歌。《オトナブルー》的搞笑源自玩串和田アキ子的一首舊歌《古い日記》（舊日記），由旋律到中間那些誇張的「哈」都惡搞，最終這首偽昭和曲將老一輩及新一代接軌，做到紅白歌唱大賽夢寐以求的效果，順理成章成為今屆紅組的第一首參賽歌。我們香港的 ViuTV 早前亦請到她們在《Chill Club》表演《オトナブルー》。

【一時帰国 DELUXE】這張 EP，正正包含她們迄今多種風格，將她們重新介紹給日本樂迷。《じゃないんだよ》及《Suki Lie》的傳統 J-Pop、《青春を切り裂く波動》的 punk、《Giri Giri》的電音、《オトナブルー》的搞笑偽昭和曲、《乙女の美学》的 H ZETT M 認真仿昭和曲及《踊る本能001》的 H ZETT M jazz rock。但叫得「一時帰国」，即是暫時回國，那暗示未來將會再走向國際。下次會是甚麼風格呢？真令人期待。SUZUKA 在香港的訪問中表示，她想嘗試 reggae……Reggae 可以怎樣跳呢……？這將會非常有趣。

這是一個音樂 blog，但介紹新しい学校のリーダーズ不可能不提她們的舞蹈，那是她們不可或缺的一部分。每次看她們表演，都好像極度混亂，但又極度有序。據說所有都是她們自己排的舞，都是刻意的、有計劃的混亂，而且絕不欺場地全場喪跳，唱兩小時就 HIIT 足兩小時——同時亦夠氣唱到每首作品。如此爆裂式的表演，只看都累，所以不能不佩服如此青春的能量。跳唱之外，各成員的性格都是一大賣點。KANON 賣優雅、RIN 賣型格、MIZYU 賣無厘頭，但如果沒有帶（假）眼鏡的 SUZUKA，這個團體不會如此受歡迎。SUZUKA 絕不按章法出牌，會突然與觀眾互動、在表演中搞亂檔或擔當一般搞笑（The First Take 片段可見一斑），出 tour 前突然剃去雙眉，但最重要的是，她是唯一一個可以駕馭所有音樂風格的主音。扮山口百惠、中森明菜可以，rap 可以，punk 可以，有強烈的節奏感，那些關西腔的 R 音捲舌更尤其特別，這位妹妹絕對是可造之材。

老實說，她們不是傳統偶像，不賣萌亦不賣政治正確，不像韓星般包裝得完美無瑕，甚至刻意向潮流反方向行。她們探討的青春不只是少年 JUMP 那種熱血奮鬥。不少歌詞是關於成長中不同層面的身份認同，如之前提到的師生戀問題，甚至一些「錯誤」的成長價值觀，如《オトナブルー》搞笑背後所唱的，對於「成人」戀愛的投射，或有一首叫《ストリッパーに栄光を》的 side cut 寫少女對於脫衣女郎的浮華的錯誤憧憬。上星期不是有新聞指有日本女孩光顧牛郎到要賣身嗎？這都是非常貼地而且血淋淋的社會問題，絕不是搞笑材料。Reddit 都有不少外國聽眾分析，有興趣可以找找看。

對比純音樂討論，我更有興趣的是背後造星的那些「幕後黑手」（無貶義），何許高人如此高瞻遠矚，用這樣的方式 market 她們？四位成員當然各有天份，但為何會找這些音樂人去幫她們一把，為何要她們唱非主流曲風？而執行上，她們的演出成本都不像非常高（亦無貶義），給她們一個舞台四支咪，播 MMO，她們自己就可以震懾全場。她們的外國 tour 大都如此，一切都極 raw 及單純，所以令世界各地的觀眾都感受到那份帶點幼稚但率直及充滿熱情的青春。這樣的 business model，簡直是煉金，亦都顛覆 J-Pop 玩法。如果這樣的 market disruptor 可以為 J-Pop 帶來新衝擊，面向國際再逆輸入理應成為江湖新秩序。我已經急不及待，想看這個團隊 2024 年會帶來甚麼。希望新しい学校のリーダーズ的各位保重，不要跳到傷。我要看她們的 live。

超然的靜態美 Debussy / Hosokawa: Études; Kodama

Debussy Études
Hosokawa Études I - VI

Momo Kodama, piano

ECM 2509



一）關於兒玉桃
2013 年，博士論文答辯前，買了兒玉桃上一張 ECM 專輯【La vallée des cloches】。我很喜歡 Ravel 的《Miroirs》，亦很好奇有人居然會錄 Messiaen 長三十分鐘及極冷門的《La fauvette des jardins》。通常只有在 Messiaen 大合輯才會找到這首作品，而刻意找這首作品來聽的人大抵都對 Messiaen 有一定深入的興趣。了解之下，原來兒玉桃都是一位 Messiaen 專家，Yvonne Loriod 有點名叫她演奏好些 Messiaen 作品。當然，「專家」這標籤不實在，她《Vingt Regards》的演繹值得商榷。再聽她的《Miroirs》，覺得太了無生氣，加上當時很忙，聽了一次之後就放在一旁忘掉了。直到今年因為這張專輯，我又再拿【La vallée des cloches】出來聽，四年後當然有新體會。如果聽者對作品不熟識，又或者太習慣傳統西方古典音樂敘事式演奏的話，兒玉桃的彈奏方式會顯得非常悶，因為她不會帶你走上一趟音樂旅程，亦甚少加添甚麼音樂張力。取而代之的是優雅的靜態美，會為聽眾帶來一種心如止水、像觀花賞鳥般的悠閒感，而這一種精神狀態要成熟到某個年紀才會有耐性去欣賞及珍惜。例如《Miroirs》中的《Une barque sur l'océan》一開始的部分，大部分演奏者都會綿綿地帶過，輕輕將船搖曳漂流出海，無論你聽 Pierre-Laurent Aimard 或 Alexandre Tharaud 都一樣，左手那個 F#m7 arpeggio 只是用來營造氣氛及帶出旋律，這是一種傳統推進式的演繹。但兒玉桃就會使你留意左手的銀光，換句話說，在一首名叫《海上的船》的作品，她會令你留意那片汪洋而不是那艘輕舟。你未必會一刻戀上，但重覆聽，你會發現每一個小節都是經雕琢的精品，都可以獨立聽，單是 bb. 8-10 已可以 loop 很多次。作品彷彿是一件由無數小水晶組成的擺設，晶螢剔透引你觀賞。用這樣的審美眼光去聽，終於聽得明同專輯的武滿徹《雨樹素描》，原來一切都是靜態美。

二）關於細川俊夫
但甚麼是靜態美？「靜態」並不是指「靜止」。想想，如果你去賞花，看似是不動的 「still life」，其實會生長，又會凋謝，只是變化過程十分漫長，所以相對在旁拍翼的蝴蝶，花顯得是「靜態」：動與靜是一個相對的概念。看靜態的事物會令人產生許多思緒去填滿空間，而思緒是個人的，所以每人對同一件靜態的事物的觀感及體驗都不同。靜態美是一種非主動、引導性的優雅，它會勾出你的記憶於你內在產生迴響，因此有經歷的人才會感受深。聽「靜態」音樂同樣道理。一個（不插電原聲樂器的） sound wave，隨著動作產生又隨著時間流逝，是一個 time-dependent event，音樂本身不可能是絕對「靜止」。音樂的靜態美，在乎於音與寧靜的對比，但怎樣用「寧靜」去寫音樂呢？自盤古初開都有不少作曲家實驗過這個問題，中古時期教堂音樂唱 organum 玩回音的有一套玩法，去到現代 Boulez 玩消散的 chord 又是另一種。細川俊夫喜歡寫「陰影」，綿綿的來又綿綿的走的聲效，好像雲輕輕飄來又輕輕飄去，2011 年就輕輕介紹過他的笙音樂（話說今年香港亦有一場演奏會玩弦樂四重奏版《Landscape V》，現場聽頗震撼）。他又聲稱自己的音樂受日本書法影響，如大師大筆揮亳，從一開始著力的地方瀟灑走去，然後提筆再落下一筆，最後著墨的地方就與白色的紙形成對比，而形狀就成字，賦予墨水意義。這樣說很抽象，但你一聽他的笛獨奏音樂就會明。他的音樂帶著懾人的深沉，是另類的「繞樑三日」。這是一種專注「內心迴響」的音樂，一種慢性毒藥，入血後才內爆那種。這種「上癮」不是會令你打強勁拍子的 OCD，而是一種像憚修般的精神狀態，那個神秘的氛圍會令你不自覺不由自主地迷失，是一種微妙的感覺。

三）關於鋼琴練習曲
任何學鋼琴的學生都會練過不少練習曲，好像 Hanon、Czerny 等，但沒有人會用這些硬練習來表演，更不會有人找來聽。但「練習曲」這個音樂格式卻不只限於訓練琴手手技。巴赫的《Inventions and Sinfonias》及《The Well-Tempered Clavier》就揉合了練習元素及高超的多音部寫作技巧而令這系列作品成為傳世的鍵琴練習經典。到了浪漫時期，蕭邦及李斯特等都各自用（當時）前衛的和弦及複習的鋼琴技巧寫了一系列到今天也被視為必學必表演的鋼琴練習曲，將「練習曲」這個音樂格式的藝術價值再次提高。來到二十世紀的 Debussy，他亦作了兩套共十二首練習曲，同樣明刀明槍一首作品練一種技巧，但耐聽程度比之前的練習曲高好幾倍。當和弦變得更進階、節奏及結構自由度較大時，作品的音樂趣味性亦大大提昇。例如第三首練四度音程，一開首就用五聲音階去寫旋律，再考演奏者彈大量節奏變化，這都已大大超越蕭邦用大量 chromaticism 在 4/4 中推進 I IV V7 dim7。去到後面，練的已不只是純技巧，他甚至刻意挑戰演奏者玩裝飾音的精緻程度（第八首）、音色變化的技巧（第十首）及迫人思考和弦推進（第十一首）。這十二首練習曲不只是鋼琴練習曲，更是音樂感練習曲。當然，Debussy 之後亦有更多作曲家寫鋼琴練習曲。Berio 的《Sequenza IV》就用盡綱琴的可能性、芬蘭的 Rautavaara 亦寫了六首不少人會挑戰的作品、Messiaen 也寫了一些考節奏的作品。但 Debussy 之後最著名，亦最臭名遠播的，莫過於 Ligeti 兩本半的鋼琴練習曲，今年我自己亦學了一首半（及三首蕭邦 Op. 10），無論作品玩雙調性（第一首）、open fifths （第二首）、whole-tone scale（第七首）或其他瘋狂念頭，這系列練習曲大部分玩不協調節奏，平均一日只能學五小節，沒有耐性或心血少請盡量遠離，但 Ligeti 這些作品將練習曲這音樂格式的藝術價值推得更高，考技巧之餘更將練習曲變成一個練習及實驗作曲技巧的平台。這些作品，只看譜已充滿樂趣。他的學生陳銀淑亦作了六首。這張專輯就收錄了 Debussy 的十二首及細川俊夫的六首鋼琴練習曲。

四）關於專輯
細川俊夫的六首鋼琴練習曲其中幾首是寫給兒玉桃的，但他們並不是第一次合作。2006 年他寫了一首名為《月夜之蓮》的鋼協給她，其後收錄於 2014 年的 Naxos 專輯內。這是一首向莫扎特致敬的作品。顧名思義，這首作品就用蓮花在晚間綻放的景象，慢慢「生」出莫扎特《第二十三鋼協》的慢版樂章（傳聞是莫扎特寫過唯一的 F# minor 作品）。《月夜之蓮》正正就展示出上述的靜態美，是一首我經常重聽的作品。但鋼協這個平台有樂團補足，細川俊夫的音樂風格其實並不太適合寫鋼琴獨奏音樂。試想想，笛獨奏音樂，吹一個音時，演奏者可以改變吹的力度去調節音的聲量，所以一個音都可以做到「書法」般的聲效，但鋼琴彈一個音，那個音只有逝去，很難做到細川俊夫要的陰影效果，所以他就開宗名義用這六首練習曲去挑戰這個制肘。遺憾的是，我未有機會看過琴譜，所以只能簡評。這六首練習曲都有一個副題，基本上都指明作品方向：第一首叫「2 lines」、第二首「Point and Line」、第三首「Calligraphy, Haiku, 1 line」、第四首「Ayatori, Magic by 2 hands, 3 lines」、第五首「Anger」、第六首「Lied, Melody」。這些作品要挑戰的技巧，有可能是要用不同的 pedal 去營造不同的陰影，製造不同的層次感；又或者極端地對比單音及長旋律（第二首「Point and Line」令我想起 Carter 的《90+》）；又或者研究大 chord 在琴身中的迴響等等。六首作品都不容易消化，一次過聽頗吃力，於是兒玉桃就分散演奏，用不同的 Debussy 練習曲隔開每首作品不順序演奏。

以上都著眼於細川俊夫的練習曲，但她的 Debussy 練習曲不能不聽。正如一開首所言，聽她的演奏，兩個小節都可以不斷 loop，開首的「組合琶音」及「四度音程」已經極精緻，中段的「六度音程」及「四度音程」也很優雅，其餘的都充滿美態。她會令你忘記這些作品是練習曲，「四度音程」的意境甚至超越《Estampes》中「Pagodes」的東方美。我聽過 Pollini 的精準、Aimard 的平坦，但他們都不曾令我拿起譜重聽又重聽。東西方的美學及精神思想結合出一張超然的專輯，是我今年的「年度專輯」，希望你也喜歡。



延伸閱讀：
官方介紹（含試聽）

官方宣傳片：

幸好香港樂壇還有努力青春的人 C AllStar 【Cantopopsibility】

C AllStar　 Cantopopsibility

1. 混沌
2. 音樂殖民地
3. 老調兒
4. 差詞
5. 她結他
6. 惺惺相惜
7. 自由軌道
8. 薄情歌
9. 騷動
10. 大同 (Shazz Mix)
11. 我們的胡士托（紅館篇）
12. 六神合體



第一次接觸 C AllStar 是三年前他們第一次在電台頒獎禮上表演領獎的那一次，那時，我覺得這四子只不過是四個很會唱 K 和 beatboxing 的「o靚仔」，姑且看看他們可以走得多遠。近年農夫棄權，Mr. 和 RubberBand 等樂隊在主流流行樂壇的叫座力一般，四位在沒有大唱片公司支持之下憑一首《天梯》橫掃各大傳媒的獎項。那只是時勢造英雄罷了，我當時是這樣想的。

也許一首作品和一次表演領獎的機會就是令大眾留意他們的契機，that's all it takes，我自己就是因為這樣而走去買他們的第一張大碟【Make It Happen】（可見電視上的 exposure 有多重要呢），但其實見真章的作品往往都是《天梯》以外、在大氣電波很少會聽到的東西，一些甚至是對 casual listener 不明顯的地方。

逐漸開始我覺得聽 C AllStar 往往都是多重享受。聽頭三張專輯你會留意到他們（和背後的團隊）是一群充滿正能量的年青人，他們不相信末日，約定你 2013 年一月一日維園見，他們關心社會（《0809》）、關心生活細節（《放下》）、對香港執著（《別讓小島沉沒》）、對廣東歌執著。我很喜歡他們那些很用心拍的 MV，往往都不是要用大成本去講大道理或行行企企喊苦喊忽由頭到尾一個表情的罐頭作品。主角很多時都是很普通的你和我或是一些街景，很簡單地去說一些我們身邊每一日都發生的故事。如果你也對香港這地方有點感情和眷戀，也懷念從前那個未變得這麼冷漠的國際都會的話，你會看到的是很多很有味道和人情味的片段，一種久違的、溫暖的社區感覺，和一種親和的凝聚力。他們到了第四張專輯才正式介紹自己，雖然算不上是他們最出色的作品，但卻是很重要的，因為【To Begin from the End】讓我們認識到四子每一個人的性格、背景和每一個人的聲音和風格。這是一個合唱團，但都是由四個獨立的個體戶組成的。

我自己都有點合唱團背景，所以特別留意和欣賞他們四位作為一體的表現。獨唱往往是焦點所在，用歌者的技術駕馭主旋律去換來聽眾的注意，唱得好很容易就做到主角。我們都知道 On 仔唱歌動聽，釗峰唱得很有感情，但作為一個合唱團，尤其是唱 a capella 的時候，動聽的旋律也要有合適的和聲和節奏支持，所以我最喜歡的 C AllStar 作品是兩首重 layer 的作品《白色信件 (Let It Snow)》和《馬爾代夫》。他們最強的魅力在於他們 live 時的表演，將現場合唱的張力表現得一覽無違（沒有機會聽 live 的話可以參考《雨天沒有你》的最後一段）。這張大碟有首作品叫《自由軌道》，是一首 a capella 作品，除了主旋律外四子都要「扮」一些聲效和唱和音，比起以往只有 King 做 beatbox，今次四子都有這扮聲的艱鉅任務了。印象中自王菀之的《與愛人飛》之後好像都沒聽過流行樂壇有人這樣玩，是大碟一大亮點。填詞的是陳詠謙，我在想，如果有日 C AllStar 和 Charatay 合作玩 a capella 會怎樣呢？很有趣的念頭，製作單位請考慮一下。

來到第五張大碟，名稱叫做【Cantopopsibility】，聲稱要在大碟內探討廣東歌的各種可能性。C AllStar 的賣點是一個有唱功的合唱團，但聽 studio recording，我們也許忘記除了在鏡頭前棟篤企的四子之外背後還有一班幕後功臣。【Cantopopsibility】令我印象最深刻的其實是編曲。或者應該這樣說，C AllStar 的所有大碟中賴映彤和 Cousin Fung 的編曲一向都很突出（例如在《少數》中突入的電音，好奇怪，但又 work 喎）。這張大碟包含了很多不同的音樂風格，很精彩。小調 mix hip-hop scratching 用色士風單挑二胡的有《老調兒》，電音有《音樂殖民地》，傳統慘情 K 歌有《薄情歌》，清新 acoustic 系有翻唱作品《她結他》，還有 C AllStar 專輯一定有的 collage 作品《六神合體》。大碟最有驚喜的我反而覺得是《騷動》，在這首港式 R&B 作品中聽得出 Jase 的音樂感很成熟，這不只是一種唱 K 就練得出的技術，而是一種風格，我甚至覺得 Jase 有潛質唱 R&B 唱得比張敬軒更加有說服力，我們可以看看。

如果一張大碟只是要用不同的音樂風格去寫廣東歌，其實【Cantopopsibility】已經做突。但大碟不單唱出音樂的各種風格，也勾出不少情意結。廣東歌，對你來說，有甚麼特別？這畢竟是很個人的。找細 So 和許志安在《惺惺相惜》中模仿電台點歌節目令人想起當年坐在收音機前聽歌的美麗舊日子，一點很個人的小情小趣，我自己當年亦是坐在收音機前做功課的人，聽著 903 大的，所以很有共鳴。找現任清談節目《勁歌金曲》主持鄭丹瑞在自嘲式的《差詞》中客串一句「都唔知而家 D 歌 up 乜」既是畫龍點睛，也聽得人特別唏噓，但我自己也得承認，我自己也曾經歧視過廣東歌。原因有很多，有一部分是因為崇洋，有一部分是因為我不喜歡聽情情塔塔世界末日喊苦喊忽的歌，有一部分是因為收音機會 plug 的歌其實都是同一種風格，都是易聽易唱的「K」歌，你唔悶我都悶。【Cantopopsibility】證明了第三點顯然是歧視，但都要有人買碟才會有人知，否則廣大聽眾只會知道 C AllStar 唱過《天梯》。

既然談到廣東歌，請讓我在這裏離一離題。再一次聽廣東歌，買和聽廣東唱片，到今時今日在這個 blog 堅持用（繁體）中文寫長篇碟評介紹廣東作品，其實都是身份認同的一種行為。我自己一年花不少時間和資源去聽不同種類的音樂，去不同的 live show，尤其是古典演奏會，其實可以寫很多很特別的介紹，很詳盡的音樂討論。寫音樂介紹很花精神時間，但寫作不是我的正職（尤其是用中文去寫），而我亦沒有責任去長篇大論介紹任何東西，但我也堅持去做。也許在外國生活久了，每個人都有一點身份認同的問題。聽廣東歌帶來一種親切的感覺，一把家的聲音，一把屬於自己人、與生俱來的聲音，用你最熟識的語言說故事。人總是有一點犯賤，若不是失去過就不會珍惜，在外國聽到家的聲音特別有歸屬感，主動聽得多了就開始發覺香港流行音樂其實比很多外國流行音樂優秀，而人才其實從來不乏，只是需要人主動發掘、欣賞和珍惜。沒錯，重點在於「主動」。喜歡音樂的人大有人在，去了解為甚麼自己會喜歡音樂和喜歡甚麼類型的音樂卻很少人關注。我會偏向覺得這是一個文化和教育的問題，和因為人懶，並不是因為香港人不能，但歡迎討論。但既然廣東歌給我這麼多歡樂和 comfort zone，我很希望分享給大家，所以我一直都是用 info-taining 的角度去寫碟評，希望介紹自己喜歡的音樂之餘，也可以用我自己小小的能力用簡單的文字去解釋一下音樂結構和講解我自己為何會喜歡某些音樂的各種技術性原因。我很希望香港人自己會珍惜自己現在擁有的東西（其實不只是音樂），只有自強和學懂愛自己的文化，了解自己的定位，才會有人主動去將自己的文化發揚光大，在自己的地方用自己的力量用自己的語言發光發熱比甚麼抗爭行動更加有效去得到身份認同，我是這樣相信的。

我剛剛在飛機上一連聽了【Cantopopsibility】三次，我在想，這其實是一件非常諷刺的事。在主流樂壇內，歌手不是上了神檯就是去了別的地方發展，留在香港本土明刀明槍地去捍衛廣東歌的反而是四個由旺角街頭寂寂無名走上舞台的「o靚仔」。我欣賞的，不只是這份魄力和純粹是自己找來的使命感，更加的是 C AllStar 證明了只要是有實力和熱誠，也有可能得到主流的肯定，甚麼刀仔都可以鋸大樹去摘得那個「我最喜愛的組合」獎。最重要的，是正能量和堅持不是空談的，也許因為我自己和 C AllStar 一樣，對生命有熱誠、對香港有希望、對廣東歌還是很執著吧。我很高興見到香港還有努力青春的人，而他們也得到應有的肯定。我們需要多些 C AllStar，也許他們只是等待被發掘而已。

除了盧凱彤那張沒有人家裏會有空間收藏的 EP 之外，C AllStar 的這張【Cantopopsibilty】是今年樂壇最值得支持的原創廣東作品。當然，2013 年還未完。

機械人的以退為進化論 Daft Punk 【Random Access Memories】

Daft Punk　Random Access Memories

1. Give Life Back to Music
2. The Game of Love
3. Giorgio by Moroder
4. Within
5. Instant Crush
6. Lose Yourself to Dance
7. Touch
8. Get Lucky
9. Beyond
10. Motherboard
11. Fragments of Time
12. Doin' It Right
13. Contact



早陣子我在社交網絡上不斷推銷 Daft Punk 的新碟，也沒有說明為甚麼，朋友們都很奇怪為甚麼我連電子音樂都聽。其實，我一早就是 Daft Punk 的 fans。

第一次接觸這兩位機械人應該是 2001 年的事，那時家裏有（值得看的）音樂頻道，所以每早上學前都會看一看才出門口。很奇怪的，早上的節目都是介紹跳舞電子音樂的，就是這時我認識到 Daft Punk、 Groove Armada、Faithless 等團體。Y2K 年代的 MV 都是很簡單普通的，但那時偏偏就有一個 MV 是一段奇怪的卡通片，配上一段很上腦的結他 riff，印象很深。那 MV 就是《Aerodynamic》，而卡通片的創作人就是《銀河鐵路 999》的松本零士。

就是這樣買了【Discovery】。當時稍為有聽外國流行音樂的人都會聽過《One More Time》，而之後 Kanye West 的《Stronger》sample 了《Harder, Better, Faster, Stronger》就令連聽 urban 的聽眾都認識 Daft Punk（說著，當年因為《Harder, Better, Faster, Stronger》而衍生的 Daft Hand 短片的瘋狂程度比年初的 Harlem Shake 有過之而無不及。）但其實在【Discovery】中我最喜歡的作品是比較少人認識的《Something about Us》，這首歌的 groove 應該是我第一首陶醉的 groove 吧。（當時的 Winamp 沒有 play count，但我應該 loop 了很多 N 次。）所以在【Random Access Memories】推出之前 Daft Punk 說新碟有些像《Something about Us》的 groove 我是十分十分十分十分十分期待的。

我不是去 clubbing 或 disco 的人，所以我對跳舞音樂在 dance floor 的影響力沒有太大興趣。我的古典音樂朋友會覺得我聽這種接近機械性的音樂是不可理解的事。的確，從一個分析的角度說是沒有甚麼好討論的，我只能說聽這種音樂要有另一種 mindset。由七、八十年代的 disco 年代開始，電子音樂興起，這些工具機械式的產生一種像拍子機的 beat，在 4/4 的模式中每一拍都打出來，這種「four on the floor」就成了一種音樂風格。一位健康的成年人的心跳大約是 60-100 beats-per-minute (bpm)，如果 4/4 拍子的速度大約是 120 bpm 的話，人的心跳就剛剛和 4/4 中最強的第一和第三拍接上，這種共振就令人自自然然地跳起舞來。亦即是說，欣賞這種機械式的音樂反而是十分天然的現象。

有了節奏的基礎，怎樣繼續下去呢？聽 Daft Punk 就好像聽簡約音樂般，building block 都是一些簡單、零碎但非常上腦的音樂句子。最好的例子就是大碟中的《Lose Yourself to Dance》，一開始 beat 入，之後 Nile Rodgers 的結他入，當你投入了之後，Pharrell Williams 就加入，基本上只是不斷重覆唱「lose yourself to dance」，之後機械人就加入不斷「come on, come on…」，第二個機械人就不斷「everybody dancing on the floor」，再加入第三聲唱「party on the floor」，當你專注聽一段上腦的引子的時候，就被第二段上腦的引子打擾，再第三段……這些在腦中糾纏不清的各段 fragment 令大腦在 four on the floor 中快樂地迷失，所以不用酒精毒品都可以 natural high，這就是奇妙之處。（不要濫藥，聽 Daft Punk 吧。）

【Discovery】就是這樣令 Daft Punk 變相「創造了現代電子音樂」，但這樣玩可以令音樂重複多到變煩，而這就是上一張專輯【Human After All】的敗筆。所以在【Random Access Memories】他們就玩得聰明一點：將音樂交給其他人玩，考考他人的創意。

專輯叫【Random Access Memories】，顧名思義就是要從記憶中找靈感，從前人的音樂風格開始，加入 Daft Punk 的元素，以退為進就打造出 2013 年全球最有 noise 的大碟。【Random Access Memories】其實是一張很不 Daft Punk 的大碟，因為有太多 live session 現場 jam 的錄音而不是在 studio 用電腦寫出來的音樂。聽 Nile Rodgers 在《Give Life Back to Music》、《Lose Yourself to Dance》和《Get Lucky》的 strumming 和 Omar Hakim 在《Contact》的 drum solo 你會以為自己在聽 jazz fusion。聽古典的朋友，認得《Touch》中的 ondes Martenot 嗎？用人力去玩機械性的音樂，人的不完美令音樂變得溫暖，就是這兩個機械人一直想做的音樂效果吧。

這張專輯充滿不少佻皮的點子會令人會心微笑，或者奇怪到令人覺得「這樣也行嗎？／咁都得？」例如在《Giorgio by Moroder》中將 Giorgio Moroder 的錄音調到和拍子一樣，再在 Moroder 說「I need a click」之後加上一個 click track，或在《Touch》中由虛無電子變 easy listening 再變 soft jazz 再變偽 Gospel 再變純電子，又或者將「we're up all night to get lucky」autotune 到變「robots don't mix to get lucky」(?)，這張專輯基本上是瘋狂的。Tracklist 的主題也是刻意的反諷，首先有鼓吹一夜情的《Get Lucky》，再有講分手的《The Game of Love》、嘆存在主義的《Within》、談感覺的《Touch》等等，都不是機械人的主題吧。

喜歡《Something about Us》，所以大碟我最喜歡的是幽怨的《The Game of Love》和《Within》，但令大碟廣泛成功的，我相信是多首接近是流行曲的作品。先聲奪人的有找來潮人 Pharrell Williams 主唱的《Get Lucky》，成功打破 Spotify streaming record 再成為全城熱播（因為真的很好 loop），還有由 The Strokes 主音 Julian Casablancas 主唱、基本上是首 pop rock 的《Instant Crush》（旋律 autotune 到令人不覺得音調原來是這麼高，應該沒有很多人會唱到。），充滿陽光氣息的《Fragments of Time》，和與 Animal Collective 的 Panda Bear 合作的《Doin' It Right》。喜歡【Discovery】的朋友有首《Beyond》，而喜歡「傳統」未來主義電子音樂或【Tron】原聲大碟的有首《Motherboard》，大碟以熱血到不行的《Contact》作結，絕對精彩絕倫。

之前的三張專輯因為 construction 比較簡單，（音樂上）很容易就可以 remix，所以在【Alive 2007】中所有作品大雜燴一起玩也行。這十三首作品，有 live 的話，又可以怎樣玩呢？

【Random Access Memories】全球報捷絕對有因。2013 年才過了一半，但如果叫這張專輯做年度大碟的話，應該不會有太多人反對。

要愛要愛要愛大同九巧板 方大同 【Back to Wonderland】

 

方大同　Back to Wonderland

1. Can You Feel the Music
2. I Want You Back
3. 你就是
4. 千紙鶴
5. 關於愛的定義
6. 麥恩莉
7. 孤獨孩兒
8. Romeo
9. 媽媽說
10. 愛立刻
11. BB88



在 12.12.12 這一天，方大同發了第六張原創專輯。反正 holiday mood，我愛立刻寫一篇碟評。

近年聽方大同每一次有新作品，無論是自己的還是為他人而作的，在 YouTube 按播放之前，都一樣是很期待，但同時亦都很有保留。到底這次是充滿驚喜的《Rosy》，還是又一首市場先決的冧女歌？

聽方大同不一定需要精通騷靈或藍調音樂的風格。當年喜歡方大同的原因，就是因為他多樣的實驗性，說的有可能是《跳》的 beat、《手拖手》的率性、《十九八七…》那個 completely out of the blue 的結尾或《如果愛》那個跳脫的 groove，有次和朋友談話中無獨有偶一同無端唱起《暖》的「Na na na na na」也是難忘的經驗，當年的方大同就是有令人記得他的音樂的引子，那是一個 character。之後他變了大眾的黑框男神，和不幸爆肺，（和更大的工作負荷？），音樂也隨著變得保守起來，旋律上，甚至節奏上，verse-verse-chorus-verse-chorus-verse，好運時有一段特別的 bridge 或 instrumental，但都失去了當年平地一聲雷的特質。幸好之後來了一張製作優秀的【15】，實驗性回來了，但老實說，專輯有很多 riff 和旋律其實有點牽強，欣賞【15】，但談不上喜歡。

新專輯叫【回到未來 Back to Wonderland】，明刀明槍名指前作【未來 Wonderland】，甚麼葫蘆賣甚麼藥？我們會有《公園》的 riff 嗎？還是《Sorry》的聲嘶力竭？

先談主打。《BB88》 ，惡搞李小龍的 MV，來個功夫大同。《Sorry》mix《Love Song》式鋼琴和弦樂華麗 intro，原來是 fake 人的。這是一首重 bass drum 和鋼琴主導、佻皮的、很緊湊的 upbeat 作品，很喜歡 ~2:27 那個 four-note scale 和之後那些鋼琴 arpeggio（其實可以 jam 到尾），如果不像【水．百合】中的《Flight of the Bumblebee》般大炒的話，live 應該會很有趣。

武之後是文。方文山詞，周國賢的 MV，《千紙鶴》是今年文藝青年的代表作。這個沙鎚、bass、keyboard、strumming 的偽南美式背景很迷幻。用 sequence 的 chorus 橋舊，但我受，那段催眠式 rap 更是令人陶醉，經過 two-voice 的 mini-bridge 再帶回方大同拿手的 descant-over-chorus，很高水準的功夫。

第三主打，《愛立刻》。一拍一拍的慢版作品，好聽一點是一首平易近人的 neo-soul 小品，難聽一點是一首平庸的 radio-friendly plug。鄙人心腸比較硬，所以沒太大感覺，但相信很多人會被歌詞迷到。

大碟 opening《Can You Feel the Music》是一首 prologue，加入 brass，有點像【Timeless Live】中的 jam 位，set 個 groove，set 定 scene…就奇怪了，因為之後的作品和這個 prologue 好像沒有關係…

帶入 keyboard 主導的輕快陽光作品《I Want You Back》，也許是大碟最 loopable 的作品，非常適合 live band 玩，但當然主唱要 rap 得像 Khalil 才行。

我在看《你就是》的歌詞，我想，在這年代說一生一世是很容易的事，但要做到天荒地老很多時都是天方夜譚。這麼老套的歌詞，配上這種老套的曲風，恐怕這年代的歌手也只有方大同才能唱得有說服力。但我就是那個年代的人，也相信那個時代的風氣。這是一首甜到令人有糖尿的作品，選這做 third plug 更好呀。3:04，曳曳。

記憶中，方大同的作品中沒有一首比《關於愛的定義》更 pop 更 K。朋友說，試想想魏如萱唱這一首歌。我說，對不起，我只能幻想到陳奕迅唱這首歌。親民還是妥協，you decide，但個人而言，我比較喜歡方大同另外一些作品。4th plug？

《麥恩莉》令人想起《愛在》。比起後者，我挺喜歡順暢一點的《麥恩莉》，但當然整首都是 ONE-two-three-ONE-two-three 的 6/8 也許令某些人覺得有點悶。It works for me。C 君的歌詞，聽得人特別淒涼。

Sharp turn 來到《孤獨孩兒》，是一首比較 classic rock 的作品，所以那個 ostinato 和 riff 都比【15】的 blues rock「正常」。我有代溝，是時候拿張 Jimi Hendrix 出來翻聽。在這個位置放一首這樣的作品，有點不協調，但 why not？Diversity，all the merrier。

《Romeo》是一首非常不方大同的作品，我還未想到是那一類型的音樂。那四個不斷重覆的重 keyboard chord 令我想起某段時期的 Elton John，但那條 bass line 是甚麼回事？中間那些隱蔽的結他又是甚麼回事？~2:18，what a chord。很意想不到的一首作品，驚喜。

懷念【Soulboy】時期的方大同的朋友應該會喜歡騷靈作《媽媽說》。第一次聽時覺得這是大碟最具音樂性的作品，也許是因為一輪衝鋒之後對一首相對地簡約細膩的作品特別敏銳吧。久違的 soulboy，久違的《南音》式 ad lib 扭音。

十一首作品介紹完。

ちょっと、ちょっと，說好了的【未來】／《未來》呢？單看以上的介紹，你有可能已經發覺這張專輯其實是沒有（音樂上）的主題的，所以如果帶著期待聽的話，有可能會覺得很失望，或有點迷失。但想著，【Back to Wonderland】根本就是方大同以往各大碟各種風格的 summary。如果你是【Soulboy】的歌迷，你有首《媽媽說》，【橙月】的有首《你就是》，實驗的有首《Romeo》，每人也有一點得著，大同世界就是要多元化的共融。有趣的音樂人，往往就像七巧板般有多樣變化的可能性，變幻莫測令人摸不著頭腦，就是他們有趣的地方。【Back to Wonderland】也許沒有立刻大 hit 的作品，或者像【未來】般有話題性，但長久來說，我覺得這是一張我會隔不久就拿出來細味重溫的細水長流之作。

八卦雜誌說方大同即將約滿唱片公司，希望【Back to Wonderland】不是一份轉會前的功課吧……

林二汶 【Eman Lam】

林二汶　Eman Lam

1. Wanna Be
2. 聽說
3. 北京道落雪了
4. 驚人
5. 玫瑰奴隸
6. 微醺
7. 如水
8. 仙樂飄飄處處聞



英國今晚多了一個小時，就姑且看看可不可以寫到一篇碟評吧。

上個月收到了幾張專輯，一口氣聽了很多新的音樂，但其實我之後一直 loop 的，就只有其中一張，我想你也應該想到是那一張吧。寫林二汶的碟評，很難不提及她的音樂前身，但我想暫且集中討論這張大碟，就試試吧。

商業上叫「林二汶的大碟」，音樂上應該說是「林二汶和 The HUS Band 的大碟」。這樣的定義十分重要，因為甫開始你就會聽到這是一個團隊的 production，感覺上很「live show」的音樂風格，甚至有點室樂、有點很親密、很 cosy 的感覺。是林二汶清脆無瑕的嗓子，也是那個結他 wah-wah，但更重要的，我覺得，是那個 Fender Rhodes 電子琴。時而中快版的 groove（節奏上的 syncopation），時而 down-tempo 的 lounge（節奏上有很多 rubato），時而將鼓的 strong beat 放在第二拍，這些流暢但不刻板的節奏加上這個團隊和這些樂器的聲效，令人很容易投入於大碟的大環境之中，所以聽得人很舒服很自然。沒有這個團隊，是玩不到這樣的音樂風格的，一開始的《Wanna be》 intro 已經很明顯，之後的《微醺》亦然。有些人會叫這些做「爵士 feel」，其實只是因為一部分的爵士音樂有類似的元素吧。

一開始最耀眼的是聽得人有點落寞的《北京道落雪了》和最後《仙樂飄飄處處聞》的大合唱。聽久了，大碟令我 loop 得最多的是兩首很重和音的作品。岑寧兒版的《聽說》中的多重 entry 完全是我杯茶（大家都有合唱團背景嘛。），很脫俗、很溫暖。另一首是全首都是和低八度的《微醺》，當然從旋律、編曲到 rhythm section 都 smooth 到不行的組合足以令人上癮，但最尾突如其來的 Bill Evans 式 funk jam 更是聽到人十分 high，只可惜的是實在是太短了。歌曲如是，專輯亦如是。

從音樂質素、演出到錄音，這張專輯都絕對有機會問鼎年度大碟的位置，要是雞蛋裏挑骨頭的話，我倒是有兩個意見。第一是那些歌後的「幕後花絮」，重覆聽時可以是十分煩人。更重要的是我覺得二汶很難用這張專輯去確立一個十分鮮明的形象。如果我刻意不提 at17，不提林一峰，不提外表和其他無關痛癢的花邊新聞，除了「靚聲」之外，我覺得林二汶長遠來說需要一個鮮明的形象和方向（就好像現在盧凱彤是「rock 妹」），否則很容易會墜入「小眾音樂」這個如雙鋒刃的範疇裏面。當然，如果製作單位是滿意的話，這絕對不是一個問題，但從這張大碟聽得出，林二汶和團隊是香港樂壇一鼓不可缺少的力量，而樂迷亦需要好好留意他們。我希望他們繼續有一番作為，和有良好的曝光配合，因為我很希望可以繼續聽到他們的高質素作品。

周國賢 【Live a Life】

周國賢
Live a Life

1. 小國英雄
2. 灰人
3. Go with the Flow
4. 從前你已共我相好
5. 回去哪要時光機器
6. 我是個地球人
7. 退化論
8. 離魂記
9. 雪國
10. 星塵
11. 永遠太遠



朋友有 perfect pitch，他說周國賢唱歌每一句都 quarter-tone flat 很難聽，《退化論》中只有兩個假音 in tune。我沒有，我覺得周國賢唱歌很真誠。對於我來說，一個唱作人如果可以向聽眾表現出獨立的個性，就算唱功不是一流，都比只有唱功而沒有音樂感的歌手好得多。不點名。如果你要聽的是字正腔圓的唱功，你要聽的應該是李克勤。

所以我很喜歡【Live a Life】。有看周爸 facebook 的朋友應該留意到他經常分享一些 new age 的東西或看一些 new age 的書，有很多思考生命或環保的訊息，這也可以一一從這大碟看到。

張懸新碟的第一首歌是為社運人士寫的《玫瑰色的你》，而周爸一開始也來首爆炸力十足的《小國英雄》，看看林若寧的歌詞，再看看近日的新聞，很諷刺，甚至到肉到有點恐怖。是否實屬巧合乃見仁見智，但卻為聽眾烙下一個強烈的 first impression。之後經過不同的主題，有周國賢寫自己價值觀的《Go with the Flow》，另一人爸陸永寫的《從前你已共我相好》，細 So 甜到令人反胃的冧女歌《回去哪需時光機器》（話說將結婚的你妳你會否在婚宴上用這歌？），梁栢堅寫現代人濫用科技的《退化論》等。

音樂上這是一張非常豐富的大碟。要 rock 的有 rock，folk 的有 folk，ballad 的有 ballad。《灰人》中那個 octave 跳上跳落的 chorus 應該是我近期聽過最離譜的主音旋律（其實《目黑》中的那個 major 7th 都很過分）。我發覺周爸和 Goro 很喜歡在 bridge 玩變聲，之前的《覺醒字幕組》如此，如今《退化論》亦是，得出來的就是一個很有 layer 的 progression，很順暢。

專輯中最耀眼的應該是長達七分半鐘的《星塵》，《有時》、《重逢》、《星塵》三部曲的最終章，一段一段的 suspension buildup 到最後 instrumental outro，就像一連串煙花過後的華麗落幕（一開始聽令我想起 Feeder 的《Moonshine》，寫著又想到何韻詩的《美空雲雀》和東京事變的《手紙》，都是 album 尾的曲），很有空間感，也是近期的無限 loop，如果周爸有日去紅館，一定要找一隊 strings 玩這首歌。一直都覺得小克是把神經刀，有時 (no pun intended) 玩食字玩得太過火。十隻手指有長短，但我見到最長的幾根應該就在這裏，《星塵》寫得很有意境，末段與前作首尾呼應也帶來蕩氣迴腸的效果，而我亦因而學了「時光荏苒」這個四字詞語。

【Live a Life】是我今年 loop 得最多的大碟，強烈推薦。周爸這張大碟令我想重看《多啦 A 夢大長篇》的《雲之國》和《迷宮之旅》…考考你，為甚麼我會這麼想呢？

薑越老越辣：二零一二年的八、九十年代 林憶蓮 【林憶蓮演唱會 MMXI】／ Sade 【Bring Me Home Live 2011】

林憶蓮
林憶蓮演唱會 MMXI

我從來都不是林憶蓮的歌迷。買這張專輯的原因其實都只是單純的想聽一下她怎樣現場演繹難度極高的《枯榮》，並順便惡補一下林憶蓮的 back catalogue。

一直都覺得林憶蓮是一位 era-defining 的 diva，亦即是我們說很有「時代感」的一位天后。一聽到她的聲音你會很自然就想到八十年代尾、九十年代頭的時間，那個都市夜，我們印象中曾經存在過的香港都市夜。但今時今日聽《傾斜》、《瘋了》或《震撼》等很重 techno beat 的 disco 快歌，用聽舊歌的心態去聽還可以，但現場唱其實可以顯得很「娘」很老土，所以我很好奇近期派了實驗性很高的《枯榮》和《柿子》上台的林憶蓮可以玩出甚麼新花樣。演唱會在香港，去是去不了，但幸好有 CD/DVD。

一開始是一輪衝鋒的快歌 medley，耳熟能詳，但編曲全變了爆炸力強勁的「band sound」，最驚喜的是搖滾版《冬季來的女人》－－加入三位和音 ostinato 唱 E minor scale 更將首歌變得很黑暗。與恭碩良合唱完《下雨天》之後的 instrumental《Earth Destruction》是一個亮點，用電音將氣氛變得緊張（中間的八個鋼琴 chord 是否 Prokofiev《第二鋼琴協奏曲》中的一段？），為之後驚豔的《柿子》揭開序幕。

Ballad 位一貫高質素，無容置疑，用張國榮獨白開始的《赤裸的祕密》是最大的感動位，簡單直接，歌詞細膩，很喜歡那段結他 solo，令人一再回味的好音樂就是如此。

或者沒有很多人會想到突然聽到林憶蓮唱 Beyond 的《海闊天空》，但之後終於回到一個 disco medley，終於聽到 old-school 的《傾斜》、《講多錯多》、《醒醒》等快歌，回 memory lane 打個轉，但緊接的拉丁舞曲版 medley 卻為舊歌全部翻新一次，完全是一個二零一一年的九十年代，聽得人熱血沸騰，我想聽 live 一定很 high 吧，好像很久沒有聽過這麼高質素的快歌了。

慢歌唱得細膩，快歌唱得激情，現在更玩另類，林憶蓮仍是無可取替的天后，九十年代是，二零一二年仍是。這張 live 大碟在這一週內聽得我很忘形，極力推薦。現在非常期待大碟了。

延伸閱讀：
Tracklist

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Sade
Bring Me Home Live 2011

等了十年，Sade 在二零一零年終於發了【Soldier of Love】。兩年後，live album 也來了。

十年前的【Lovers Live】展現出 Sade live 的魅力，例如在《Smooth Operator》後大 jam 或《Is It a Crime》中的激情澎湃；album 中的《Somebody Already Broke My Heart》也 fuse 了前作《Never as Good as the First Time》，或與兩名和音玩轉《Flow》等，專輯內都是一些 studio recording 玩不到的東西，所以很期待今次的【Bring Me Home Live 2011】。

也許是切合【Soldier of Love】的主題吧，今次少了我所期望的騷靈作品，反而多了 (soft) rock 的聲音，例如精選專輯中的《Love is Found》。也少了重新編曲的 instrumental jam，但有很多 down-tempo 的抒情作品，例如【Soldier of Love】中的《In Another Time》，和舊作《Jezebel》，加一段色士風 groove 一下，再追加《Paradise / Nothing Can Come Between Us》。少了十年前的 angular touch，反而所有東西都十分十分懷舊，就算是【Soldier of Love】中的作品都是，就好像八十年代完全回來了。

如果想聽一點與大碟不同的東西，也許【Bring Me Home Live 2011】並不是閣下的茶，但要聽這類型的音樂的現場演繹，恐怕現今只有 Sade 一家了。

延伸閱讀：
Tracklist

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將兩張 live album 一起聽很有趣。兩位都是 era-defining 的 diva（嚴格來說，Sade 是一隊樂隊），兩個單位都令人自然想到某個年代。林憶蓮選擇將舊作 update，提煉新的「時代感」。另一邊廂 Sade 則選擇保留原有的風格，但就唱得更是爐火純青。有趣的是，兩個單位聽起來都完全沒有 outdated 的感覺，反而更令人想回到那個年代。薑，果然是越老越辣。

留意寧兒 岑寧兒 【2/2】

岑寧兒　2/2

1. 1/2 cup
2. 2/2 cup
3. Moving on pedals
4. Moving on



很久沒有更新這個 blog，如果不趁英女王登基六十週年這個長週末寫一篇的話，我有可能今年都不會再有 motivation 去寫任何東西的了。

有一次無意中在 YouTube 看到了一隊 a capella 組合唱薛凱琪的《叮叮車》，一開始有人模仿 intro 那段小號，之後一位女生在 beatbox 上唱「一卡卡、一卡卡、一卡卡，幾時入？一卡卡…」我當時在想，這是一個甚麼的音樂單位？如果是業餘的話好像是太勞師動眾，而那隊和音又絕對有專業質素，但專業的又好像從來沒有聽過任何宣傳。在面書上搭上搭才知道這是一隊叫 Charatay 的組合，那亦是我第一次聽到岑寧兒這個不太搶耳的名字。

之後你會在陳奕迅 DUO 演唱會上見到他們當和音，再之後是方大同的【15 Live】，上年九月，岑寧兒自己也發碟了。不足十分鐘的上一張 EP【4 - 6 pm】是一張很 organic、「無添加」的 acoustic EP，有《Mask》清唱的 opening，有很適合 live show、清新簡單編曲的《猜謎》。最後是比較 upbeat、groovy、exotic 一點的《沒故事的人》。也許是 MV 的影響吧，總覺得這首歌是來來回回在尋找一點東西似的，是一首頗「外向」的作品。三首高水準作品試水溫，怎樣說都不能夠滿足樂迷，但總算 showcast 了 Yoyo 的三面玲瓏。

而剛剛推出的第二張 EP【2/2】，長達十五分鐘，兩首歌，但兩首歌都有兩個完全不同的版本。概念很簡單，半杯水，是半滿還是半空的（謝安琪上年的《你們的幸福》MV 一開始也用了這個例子）？這是一個觀點與態度的問題，你究竟是樂觀的還是悲觀的？EP 要說的，是 Part 1 of 2 看完之後還要看 Part 2 of 2 才能有一個完整的答案（因為 2/2 = 1）。

EP 今次也是由奇哥把編曲的關。今次多了電子原素，《cup》展現了 Yoyo「內向」的一面。鋼琴主導的《1/2 cup》為 EP 帶來一個黑暗的開始，最後卻 upbeat 起來了。反觀 synthesiser 主導的《2/2 cup》一開始令我想起 Bjork 的《Possibly Maybe》，很寂寞的，直至其他樂器加入才為曲子帶來一個很順暢的 flow。

《Moving on》將我們帶回一個比較主流的音樂世界。《Moving on pedals》在電子 beat 上加上沙漏和單車的鈴聲和鏈聲，將聽眾帶到 Yoyo 在絡繹不絕的街上賣唱時的情景，頗有趣的，但叮叮聲來得太密和太有規則，重複聽令人有點心煩。反而簡單直接一點的《Moving on》很清新，聽得人很舒服。

從這兩張 EP、YouTube 上的片段和我之前看過的 live 看來，岑寧兒是一位很有誠意、很有質素並且唱得不錯的音樂人，我期待並一定會繼續支持她之後的作品，並希望大家都會留意一下她。下一張碟，可以是 album 而不是 EP 嗎？而且包裝上可否選用一個不需剪開的設計？剪開有點可惜啊。

白色維度五日遊 White Dimension 【Shimmer of Dawn】

White Dimension　Shimmer of Dawn

1. 流沙 Quicksand Parts I - IV
2. 閑 Idle
3. 尋歡作樂 Fantasy
4. 蔓延 Pervasion
5. 暮 Dusk
6. 循環 Recursion
7. 缺氧 Hypoxia
8. 彌留 Lingering
9. 過期 Expired
10. 沒有音樂的天氣 From Winter to Spring
11. 立春 Lichun
12. Night is Falling



「獻給都市中每一個想逃出來的靈魂。」大碟內側，中英對照，簡單一句是這樣寫的。

昨晚我和一位將要投身社會的朋友吃飯，如常地無病呻吟，討論一些「現代人在找尋甚麼」之類的問題，很玄。現代人的生活模式，起身、工作、睡覺無限 loop，不斷循環，目的是甚麼？買一層樓？然後呢？戶口不見得好，但心靈更見空虛。不只是香港，這是世界性的通病，生存為了甚麼？談到這裏，我突然想起我欠了人一篇碟評一年多：此刻人生是為了還碟評債。

我很少聽香港的 indie 作品，主要是因為沒有時間去用心發掘，對上一次都是上年 the evening primrose 的【Starless】了。而今次要介紹的是 White Dimension 的大碟【Shimmer of Dawn】。

White Dimension 的主理人是何沛澄，他是劍橋大學和倫敦帝國學院電腦科學系的畢業生，畢業後卻跑了去玩音樂，到了歐洲各國發掘當地的文化聲音，回港後成為獨立音樂人，除了為自己的音樂發聲，亦幫廣告作曲和其他作品編曲。大學時自資灌錄了第一張專輯【今日天氣，小雲】，並組織了第一代 CB3 山村樂隊。之後在網絡發表《我們循序漸進邁向 2012 世界末日》，一度被主流傳媒報導而開始嶄露頭角，上年底因《小明上廣州》而開始被樂迷關注。但 White Dimension 的音樂風格很不同。

Alternative、prog rock、art rock，whatever，任你叫，White Dimension 的音樂比主流樂壇的複雜，玩多層次、玩多轉折、玩多段落。【Shimmer of Dawn】的主題就隱藏在向 Pink Floyd 致敬的封面中，由外層的黑暗，經過像 René Magritte 的超現實作品《La reproduction interdite》般的內層，走到第五層的光明，也就象徵一個現代都市靈魂用五天從迷失走到解脫的心路歷程。

大碟第一首作品是一個大衝擊，一首超過八分鐘、分四段的 episodic 作品《流沙 Quicksand Parts I - IV》，Part I 是有一點黃耀明迷幻影子的 intro，接住一段 instrumental 爆發，之後客席女 vocal Michelle 加入將激烈的音樂平靜下來，帶入由色士風主導 irregular rhythm 的 middle section，再回到一個 conclusion，多變的風格設定一開始迷失的主題，並突然衝入第二首作品，upbeat、ABABA 式的《閑 Idle》，再突然衝入大碟第二 plug、比較 conventional rock、CB3 山村樂隊客串的《尋歡作樂 Fantasy》，將抑制住的負能量和 frustration 在慾望中的隙縫釋放。

這樣暴走就過了兩天。你不會發覺的，因為你一直在衝。在第三天耗盡精神發洩之後自我沉溺，帶來大碟中我最喜歡的作品《蔓延 Pervasion》，簡單的 acoustic guitar 加大提琴有可能第一時間令人想起 Damien Rice，這是一首編排得很好的歌，chorus 之後的 guitar slide 帶回 third verse，再到 bridge 和之後的高潮位，剛剛恰到其分。MV 也拍得非常有心，一定要看。到夜幕低垂，看見鏡中人憔悴地在《循環 Recursion》中困獸鬥，將 musical environment 帶來一陣久違的「英倫風」（雖則我第一時間想起的是 Stereophonics 的《Mr. Writer》），又一次在黑暗中沉淪，就這樣過了三天。

沉淪過後是放縱，讓意識進入霧世界中的旋渦，隨住《缺氧 Hypoxia》中的 downtempo、trip-hop beat 配弦樂的浮力上下飄盪；或者在厚厚的和聲、three-note motif、acoustic guitar 上周旋等《過期 Expired》。最後還是在《沒有音樂的天氣 From Winter to Spring》的強勁節奏下奔走，從心靈的寒冬向新開始出發，不過，之前，「來吧趁溶雪前／來堆雪人嘛」。突然樂觀了。

走出困局時就是靈魂昇華之時。走到第五個窗－－那個在唱片封面的白色世界－－原來已來到《立春 Lichun》之時。這個是否世界的盡頭，是否已找到答案呢？重要嗎？如果你信「懷著樂觀總有轉機」的話，一切愁雲慘霧都會變成光明的白色維度。當腦中的結被解開了之後，靈魂終能夠得到自由去發掘新的領域，以一曲帶爵士風格的 free-form instrumental 《Night is Falling》結尾，也貼切不過。

【Shimmer of Dawn】中的這五日遊，來自都市的你和我應該都經歷過不少次，然而大部人最後的解脫也只是另一次沉淪的開始。要找一個缺口突破，也許要想想我們究竟在找甚麼，生命中需要一點甚麼。有幾多人可以像何沛澄般切實地、灑脫地隨興趣夢想進發？現實殘酷，但他和 White Dimension 的朋友比我們這些坐著齋 talk 的人已做得更多行得更遠，值得我們繼續支持。繼續加油。

王菀之 【Cinema of Love】

 

王菀之　Cinema of Love

1. 柳暗花明
2. 末日
3. 安妮．法蘭克
4. 錯過了地址
5. 最好的
6. Colors of the Wind
7. I Dreamed a Dream



上年【Octave 柯迪夫】的《開籠雀》向主流聽眾表現出王菀之聲音的可塑性，讓沒有聽過《雷電》、《面斥不雅》、《粒糖有毒》等作品的朋友聽到這把「被天使吻過的聲音」、「雞仔聲」以外的音樂世界。如果閣下對王菀之的印象還是停留在《我真的受傷了》或《手望（守望版）》的話，買一張【On Wings of Time】聽聽吧。結果呢？之後派台的是比任何作品都更極端的《最好的》和實驗性很強的廣告歌《柳暗花明》，這是對沈悶的香港樂壇一個非常正面的衝擊。如此一說，《開籠雀》是一個不小的里程碑。

Descending scale 帶入第一首作品《柳暗花明》，女性護理產品廣告的主題曲。林夕的詞也許不是湊巧的吧，這音樂壯舉，含蓄的提就含蓄的欣賞。一首節奏感很強的作品，樂器分佈很精彩，如果有一天王菀之跟管弦樂團合作的話會有甚麼效果呢？很想聽一下。順帶一提，那個強烈的節奏是一個基於 6/8 - 3/4 的 hemiola，樂器交叉影響之下節奏變得複雜，而製造出一個豐富的 texture。簡單一點的著名例子有 Leonard Bernstein【West Side Story】中的《America》，或近期一點有椎名林檎【三文ゴシップ】中的《都合のいい身体》，都是熱熱鬧鬧的編曲啊。

熱身後靜一下，帶來了近日派台的《末日》，正正四分鐘。開大腦袋聽和讀《柳暗花明》，突然被沒有花巧的《末日》正面侵襲。失守了，又是黃偉文的好事。最簡單直接、stripped down、無花巧的旋律、歌詞和編曲卻帶來最強烈的效果，給我們帶回【詩情．畫意】時期的王菀之。驟耳聽有一點像聖詩班中的音樂，而黃偉文筆下那一份樂觀（「就算知歲月無多，無憾的生存過，在愛惜中離座，已經不錯」）正打中人心脆弱那部分的牛眼。這是十分自然的演繹，而這亦就是一首好的流行曲的 textbook example。

天災無情，但人禍可以避免。《安妮．法蘭克》的主角是第二次世界大戰中受德軍迫害的猶太女孩 Anne Frank，她遺留下的日記【The Diary of a Young Girl】紀錄了戰爭的殘酷。這首歌聽得人有點不安，編曲令人有點不寒而慄。在 piano ballad 後面加入 distorted guitar，就好像在處境劇中暗打綠色的燈，聽得人很不自然。引用書中的句子，再加上 bridge 的一段槍聲，悲情的愛與戰爭的痛在同一齣歷史電影中在耳朵的感官世界上畫。

之後來了一首真的電影主題曲：為《不再讓你孤單》而寫的《錯過了地址》。淡淡哀愁，這首歌的焦點是 vocal line。鋼琴 intro 帶入一個由鋼琴主導、很簡約的 broken chord 伴奏，一開始不錯（有潛質可以很 polyphonic，而且 ebb and flow 很有 feel，哈哈），但去到第二段就有點失去秩序、有點「飄」了。不是最亮點，但是親民。

上年聖誕前左右派台的《最好的》，我第一次聽的感覺是：「椎名林檎。」之後有關音樂的問題來了：究竟在這首歌內有甚麼樂器馮翰銘是沒有用上的呢？這是王菀之近年最令人鼓舞的作品，夠黑暗夠癲夠實驗夠電子，好比當年的《雷電》，或更甚。用林夕在《柳暗花明》的「要是那夜沒有一時衝動，破壞那舊床褥換到好夢，怎知損失也有用」開始，經過 Ivana 自己在《錯過了地址》中的「然後兩個人牽著手，解開彼此身上鈕扣，承諾會珍惜對方的溫柔。突然記憶往後走，記不起相愛的理由才懂哀愁。」再用黃偉文的「他，不太值得吧，但你將最好那些全贈他吧。」結尾回應，有點諷刺，很宿命吧。原來 cinema of love，可以是悲劇／瀟灑收場。順帶一提，《最好的》MV 是我看過香港樂壇中最有電影感、超現實及有張力的 MV，值得有心人用心細看。

碟尾 Ivana 演繹了兩首外國作品。第一首是 1995 年迪士尼動畫《風中奇緣》（Pocahontas）原聲帶中的《Colors of the Wind》，內容是人應該與大自然並存，而不是要控制大自然。第二首是音樂劇《孤星淚》（Les Misérables）中的《I Dreamed a Dream》，前年因「靚聲村姑」Susan Boyle 在 Britain's Got Talent 中感動全城而再度成名。我想知，將一首已經 orchestrated 的作品重新 orchestrate，音樂上有甚麼要考慮呢？這就是我們需要一隊管弦樂團、在大會堂演奏廳伴奏著名伶運功大唱的時候。在這裏，我們聽到「學院派」的王菀之的唱功，在平日的作品是不會聽到如《I Dreamed a Dream》中那種圓渾雄厚的唱法的，絕對期待 live 的演出，希望到時在香港吧。

【Cinema of Love】這張音樂濃度極高的 EP 在短短二十七分鐘內證明了王菀之聲樂上的可塑性，也展出馮翰銘音樂上的可能性。慢功出細貨等得人不耐煩，但也是非常值得的。香港樂壇仍有希望，還有很大的希望。對自己好一點，支持一下優質本地創作吧。

面面俱圓 陳奕迅 【Stranger Under My Skin】

陳奕迅　Stranger Under My Skin

1. 六月飛霜
2. Stranger Under My Skin
3. 最後派對
4. 苦瓜
5. 沼氣
6. My Private Christmas Song

1. 樂園
2. 等你愛我
3. 因為愛情



上年十月陳奕迅帶我們上山品嘗大氣找高人，結果找來了外世的薩頂頂、隱世的露雲娜和玩世的林敏驄。半年不夠，原來還有下集，今次玩下海。

首先，一張大碟十二首歌，例價一百有找。分開兩隻，每隻八十五，如果不是陳奕迅的話，一般香港人睬你都有味。再看，原來遲一點還會出特別版，老老實實，唱片公司應該見好就收。

不過如果說分開兩隻碟是為了讓樂迷慢慢消化每一隻歌的話，這我倒是同意的。陳奕迅沒有派台的滄海遺珠，有可能《一切從音樂開始》一晚都播不完。如今每六隻歌出一張 EP，至少樂迷會花多一點時間精神去細心欣賞每一首歌，讀歌詞的讀歌詞，練唱畸的練唱畸，聽編曲的聽編曲。至少，希望如此。

陳奕迅已經去到一個頗難搞的十字路口，一方面要尋求音樂上的突破，又要保留忠心的主流聽眾，同時亦背起培育樂壇新血的責任。但【Listen to Eason Chan】和【Taste the Atmosphere】就證明，刻意偏離 status-quo 是吃力不討好的（口口聲聲話要踩界玩味歌的人有幾多記得《熱島小夜曲》和《變色龍》？），所以要找一個平衡。【Stranger Under My Skin】就全做到了。

由定音鼓帶起的結他、鋼琴、人聲前奏帶來第一首作品《六月飛霜》，林夕詞。一開始就擊鼓鳴冤？有甚麼冤情？網民熱烈討論歌詞的含意，是否帶有批判意味，請動動腦筋自己定奪，歌詞不難明。聽時留意一下，中、西 plugged strings 一起帶起的 chorus 到中間加電結他 distortion 到最後大堆頭的舖排是否刻意的在歌詞上加上無形的反諷？

點題曲《Stranger Under My Skin》由無名氏的結他名作《Romance d'Amour》作基礎。這首作品是因為 1952 年的法國電影《Jeux interdits》（禁忌的遊戲）而舉世知名，著名結他手 Narciso Yepes 曾經灌錄了原聲大碟。下雨聲、小調的旋律加獨白營造出十分孤寂的氣氛，就好像《重慶森林》裏的金城武，只不過 setting 是在西班牙而已。英文獨白是否如有人提到般「扮野」則見仁見智，但那煙燻多年的 husky voice 頗性感。中後段穿插的是 synthesiser，不會是 ondes Martenot 吧？ :-p

《最後派對》頭幾次聽沒有留意歌詞，原來是《活著多好》的樂觀版。外國人的最後派對，是叫「celebration of life」的，以「完成生命」去視這個必經過程，不比較正面嗎？（又想到村上春樹《挪威的森林》：「死不是生的對立，是生的一部分。」）當然，是否可以如此豁達人人經歷不同，就算理性明白感性亦未必接受。雖不算是新題材大道理，但相信對不少人來說這是一點啟發。慢板一個一個 chord 的流行 piano ballad 上加上「band sound」，曲式親民，驟耳聽甚至是首激昂的作品。

聽碟前，印象中好像聽過另外兩個版本的《苦瓜》，第一個的編曲很單薄，像是 demo，有人強烈批評，引發網民熱烈討論；而第二個是「切茶」版。老實說，這首歌真的很 K，不過在這 EP 的位置卻是很不錯的 buffer zone。新的編曲幫助很大，這個豎琴加管弦樂的 orchestration 其實沒有秩序，但卻為原本由鋼琴主導的 accompaniment 加強了高低起伏，反而帶出了 chorus 那個很長的旋律。第一次接觸 Kenix Cheang 的名字是在 YouTube 看到她翻唱何韻詩作品的片段，所以潛移默化下第一個印象覺得《苦瓜》有點《勞斯‧萊斯》 feel。原來她是做幕後的，我想陳奕迅是想帶人留意她吧。

《沼氣》，官方英文名叫「METHANE」，是充滿戾氣的暴走電音作品。詞人陳詠謙用沼氣有毒借題發揮刻劃頹廢、自我形象低落的毒男（「四百萬養隻大廢物」），很久也沒有聽過 Eason 玩這類型的音樂，驚喜。Chorus 不斷重複的「沼氣」是否刻意玩粗口諧音只有製作單位才知，是也不奇。（嚴格來說 methane 只是沼氣其中一個成份，並且是沒有毒的，但是很易爆炸；沼氣亦會令人窒息，或 asphyxiation。）

最後，聖誕派台的《My Private Christmas Song》玩 piano-led jazz ballad，mood 和 feel 都不錯，略嫌唱得有點拘謹和刻意，放鬆一點會更好。有興趣的朋友可以參考一下 Robbie Williams 2001 年的《Swing When You're Winning》，看看一位流行男歌手如何成功踩界唱 jazz。

【Stranger Under My Skin】有一張 bonus disc，收錄了三首國語作品（其實也可收錄潘迪華【My Dream My Way My Indie Music】中的《Chinese Blues》啊，正好與《My Private Christmas Song》相映成趣。）我最喜歡的，是上年收錄在黃韻玲【美好歲月】的《樂園》，派對曲式，編曲夠爽夠緊湊，兩人唱得合拍，熱辣辣又好玩，一絕。相對下，《等你愛我》是一首很 standard 的佳作。與王菲合唱的《因為愛情》如果不是陳奕迅加王菲這個配搭的話應該不會有 noise，他有他唱，她有她唱，沒有火花，一歌之隔即被《樂園》比下去。

在 Harper Lee 的名著【To Kill a Mockingbird】中主角的父親 Atticus Finch 有一句名句：「You never really understand a person until you consider things from his point of view - until you climb into his skin and walk around in it.」聽了陳奕迅十幾年的你和我，其實一直都明白他的用意嗎？抑或其實我們都是他皮膚下的陌生人？我不是行內人，但我覺得【Stranger Under My Skin】已經做到行內行外面面俱圓了。老老實實，有冇第三集？



延伸閱讀：
【Taste the Atmosphere】碟評
陳奕迅皮下就是扮野講英文嗎？陳奕迅【Stranger under my skin】 by 3C Music
陳奕迅《Stranger Under My Skin》下的計較 by 斐宇梧的中文唱片架
維持水準卻方向未明？－－陳奕迅《Stranger Under My Skin》 by 心跡．流影

哀莫大於心死 陳奕迅 【Taste the Atmosphere】

陳奕迅　Taste the Atmosphere

1. Welcome to the Future
2. 講男講女
3. 葉問風中轉
4. 花花世界
5. 我杯茶
6. 超錯



近年陳奕迅每一次出碟，買時都有點戰戰兢兢。今次到底是 K 歌，抑或是換湯不換藥的潛 K 歌？幾時才會有張像【Life Continues...】那樣有十八般武藝的傑作，或是詞曲俱佳的【What's Going On...?】？擺上架前會否聽過廿次？【H3M】真的不過十次。我明白，以陳奕迅現在的地位，一定要做到面面俱圓，一定要有一隻 Eric Kwok + 一個偉文做膽先肯發碟。不過一個曾經唱過《第五個現代化》又出過【Listen to Eason Chan】的歌手，隻隻碟都要有隻《陀飛輪》是否有點固步自封？有供必有求，香港樂壇十年不變，在市場主導下的社會裏你認為這又是誰的責任？上一隻 EP【Time Flies】給我的感覺是詞大過曲，雅俗共賞但音樂缺乏變化，流行了但失去了曲。喜歡聽音樂的人聽不耐，亦聽得不耐煩。寫到這裏，對不起，我是否很 snobbish？

為了帶來新的衝擊，陳奕迅今次選擇與不同音樂單位合作，有心人應該留意到這幾個單位都是前輩級的人馬。沒聽過這幾位前輩的朋友有可能不以為然，其實，這是一張頗念舊的 EP，就算沒有兩個偉文的參與，一樣精彩燦爛。

一開首殺你一個措手不及的是福音作曲家劉諾生的《Welcome to the Future》，陳奕迅 crossover 梵音薩頂頂在 distorted 結他上放聲周旋，多層面 fusion，撞到火花四起。唯一美中不足是有點太短，和太早完，再 build-up 一下應該更好玩。但相比之下，同樣是劉諾生的《超錯》作為第二主打沒有甚麼特別，典型慘情港式流行曲，但是否因為就是這樣才成為第二主打？Anyway。

接著是先聲奪人、和露雲娜合唱的《講男講女》。Eason 自己說的，這是一首很好「un」的作品。伍仲衡作曲、藍奕邦作詞，這是一首感覺很八十年代尾、九十年代頭的歌，一首屬於都市中夜夜笙歌聲色犬馬那個時代的歌。After hours 在 synthesiser 的 groove 中鬆一鬆，「un」 一 「un」，加段色士風，吸引人的是那種所謂的「時代感」，越老的味道越醇，越老的，享受的就是多一分的懷念。好奇一問，如果換上關淑怡，效果又會是怎樣呢？

《葉問風中轉》的主要賣點當然是林敏驄，但令人再三回味的是細膩的編曲。音樂是帶有民族情懷的格調（朋友 E，有冇 input？），很輕鬆，但不簡單。不認識林敏驄和他話中有話的風格的朋友若要欣賞這份歌詞，就一定要看一看當年林敏驄和曾志偉在《開心主流派》扮野的 satire 和好好體驗一下很市井很地道的粵語，買少見少的了，最後面的一段 rap 相信是因為他在《大龍鳳茶樓》和農夫合作之後的影響吧（見：《我是否你唯一的粉腸》）。不過要數無厘頭，這一定比不上當年的【冇有線電台】－－不少 punchline 其實都是舊的，而且我總覺得有些比較露骨的歌詞已給 censor 掉，畢竟陳奕迅聽眾廣泛，小心一點好。類似風格的作品（音樂小品配無厘頭歌詞），林敏驄自己一早已玩了不少，個人認為最出色的，是【暑期作業】中的《河馬腳甲泥》（OT: 《淺水灣 sunset》），不過該大碟是否絕版了？

【Time Flies】的第四首歌，叫《陀飛輪》，著人珍惜時間生命。今次的，叫《花花世界》，說的是成長的心理變化，但比較恨錯難返。最叫人驚喜的，是填詞人一格填了周禮茂的名字，久違。旋律和結他部分都很美，帶來很 chill-out / ambient 的感覺，但用電子 beat，何不去盡一點，把 Eason 的聲都電子化呢？這首歌的空間感很大，也許可以玩盡一點，不過都是首出色的作品，但聽得出 Eason 的聲線倦了。

因葵，也是久違了的填詞人名字。《我杯茶》是一首十分「日系」的作品，玩重 synthesiser、electric keyboard，bass 很 groovy，找莫文蔚客串和音 echo 伴唱好像有點大才小用，但湊效，非常好玩的一首作品，極佳。如果這是 Eason 的 future 的話，我是會打開雙臂歡迎的。

【Taste the Atmosphere】是一張值得香港樂迷珍惜的 EP。哀莫大於心死，指的，是一大群不肯接受不同音樂類型的所謂樂迷（可恨的是，不肯打破常規和接受轉變亦是香港的深層次問題，唉）。雖然【Taste the Atmosphere】沒有一首《沙龍》、沒有一首《富士山下》，很多人指唱片公司為年尾爭獎而 hea 做出 EP，對不起，這些人沒有認真聽歌，亦侮辱了背後辛苦過的音樂人。陳奕迅不但沒有變質，反而他對音樂的熱誠、對前輩的肯定和對未來的憧憬卻值得樂迷尊敬，單是有勇氣去做實驗挑戰 status-quo 都令人鼓舞。寫這篇，除了要分享一張佳作，亦是為了要替【Taste the Atmosphere】平反，希望讀到這裏的你可以自己試試。最後一提，如果你是因為《葉問風中轉》而覺得反感的話，你正正就中了林敏驄的下懷。

RubberBand 【Connected】

RubberBand　Connected

1. 天連地
2. 金獅同學會
3. 細街盃
4. 3 字頭
5. 阿藍的故事
6. 一轉身卻天亮了
7. 田鼠論壇
8. SimpleLoveSong
9. hello?
10. 囍宴樂隊
11. 海．地
12. 雙城記



兩年前從電台頒獎禮得知原來香港樂壇多了兩隊 band，其中一隊個鼓手好似林海峰，另外一隊，eh，有個好鍾意搽 eye shadow。對不起，每年該電台都推一批新人出來拿個鼓勵獎，個個又喊又笑，好難唔 gloss over。之後有個 CASH 頒獎禮之類的東西，Mr. 和 RubberBand 排排企每人唱兩嘴，當時我想，香港無所謂的 band sound 文化，有可能，其實，erm，與 band sound 文化無關。

早陣子還在香港的時候在中環某大連鎖唱片公司閒逛，從古典爵士部門走出來的時候，聽到一把好像 Damon Albarn 但又不是 Gorillaz 的聲音，聽真一點，他唱的是廣東話，再聽真一點，咦？D 歌詞好過癮喎。那是《3 字頭》，他們在播【Connected】。我駐足在一旁聽了二十分鐘再找了一輪才知，害得我給食蕉叔叔怒啤。最後上機前都趕去買了。

浩浩蕩蕩的開場歌《天連地》也許不是大碟最最最突出的作品，但之後的一系列作品卻聽得人很開心，最少，表面上。大碟的音樂詞彙豐富，編曲色彩繽紛，歌詞啜核抵死麻甩有時甚至無賴，但往往暗帶 sad but true 的潛台詞，或是你和我某年某月都曾經在香港經歷過的一點一滴。無錯，這是一張很「港」的大碟，但很「港」無罪，反而令人很有共鳴，特別是對於開始出來工作的朋友們來說。說的是在熱鬧舞曲下用倒閉了的影帶店來比喻舊同學各有各生活的《金獅同學會》，或在強勁森巴舞曲下唱非洲外援在香港的生活和對足球的熱情的《細街盃》，但「新聞中千個流淚面孔，戰爭飢荒老家在痛 」是嘉年華會舞曲會唱的歌詞嗎？好玩，但又令人唏噓。

弦樂引子帶入輕快 groove 的這首 pop rock 是《3 字頭》，你估下首歌講咩？Telemarketing 的哥哥（或姐姐）。《阿藍的故事》的 bossa nova 在 chorus 唱「天再藍／海再藍／清澈見底的海灘」唱的又是甚麼？代客泊車外籍人士的異鄉生活。《一轉身卻天亮了》在輕輕鬆鬆懶洋洋的 riff 配弦樂 backing 唱的呢？開 OT。這種接近頹廢式的唱法就是一開始令我想到 Blur 的地方，但都不至於之後的《SimpleLoveSong》似。然而表面風光暗藏深層次矛盾這表達方式正好就反映香港這國際都會，諷刺性的強烈對比在心理上帶來很大的衝擊，但一不留神就會被精彩多變的編曲誤導。

Connected，連結，連儂，連你，這是一張關於人情的大碟（話時話，其實放咁多 budget 落 conceptual gimmick 成效究竟有幾大？好想知。不過有 heart 玩野，一讚），頭半隻大碟已經在題材上充分反映這主題。之後音樂上，就來了首直接簡單的《SimpleLoveSong》，典型港式慢歌 ballad，又來三角戀？Simple love song 嘛。獨立聽有可能會覺得平平無奇，但一大輪衝鋒之後放在大碟這位置卻非常湊效，與接著由 acoustic 結他主導的《hello?》前後呼應，而《hello?》中加入笛子 solo 又多了一點日系 feel，效果很好。然而最 sweet 的，反而是談婚宴眾生相的《囍宴樂隊》，很緊湊、 compact 的編曲，尤其喜歡 keyboard 部分，平地，但很多聲雷，只聽背後 jam 都已是一大享受。在激昂的 suspension build-up 下帶來的是《海．地》，像與《天連地》作首尾呼應，除了呼籲聽眾關注災情，也對比著在福地裏安枕無憂的人從不關心身邊環境和保育問題，gospel choir 突入好像有點奇怪，但 why not？最後國語的《雙城記》一開始令人覺得是一首 filler，但用心聽卻發現其實是一首頗可愛的歌，1997 年移民的朋友在 2010 年再見，各有新生活，bittersweet，但最後一段的歌詞令人會心笑著聽完大碟，end on a high note。

RubberBand 是一隊有熱誠又正氣的樂隊，沒有無謂的戾氣，亦不乏深度，有很多值得思考的地方。希望叫「膠」的他們不會只顧玩味而令音樂都變＿，我相信他們不會。RubberBand，值得支持，請繼續努力。




延伸閱讀：
RubberBand《Connected》，連結起音樂裡頭的動人部份 by 斐宇梧的亂UP之地
【Connected】RubberBand by 懶人專用



後記：

其實這一篇一早已寫好了，不過一直沒有按 submit。之後他們突然宣佈 keyboardist 藝琛離隊，很可惜呢。希望 RubberBand 可以繼續努力吧，期待他們的下一隻碟。

聲音鏗鏘 王菀之【柯迪夫 Octave】

王菀之　柯迪夫 Octave

1. 開籠雀
2. 高八度
3. 歌舞劇
4. 畫外音
5. 開籠雀 (Finale)



早幾個月當樂迷還在反芻百變多樣的【On Wings of Time】之際，王菀之突然派《開籠雀》上台，心想：「唔係咁快有新碟呀？」過了不久才知道這歌是她與張敬軒、梁祖堯等合演的音樂劇【柯迪夫 Octave】的主題曲。人在異鄉看不到，但好在有原聲大碟補數。上次大碟隔太耐才動筆，今次一出就寫碟評，估唔到呢？哈哈。

雖然說是音樂劇原聲大碟，但其實《開籠雀》、《高八度》、一首 remix 和兩首 B-side，【Octave】都可以算是一隻 double single，就算沒有故事襯托這碟也能成為音樂上的個體戶。

近期有留意主流媒體的朋友都應該有聽過《開籠雀》，電台有播，電視有播，扮野節目有唱，隔離台歌唱比賽又有人唱。第一次聽的時候覺得編曲的馮翰銘玩 effect 已經玩到走火入魔，鋼琴、弦樂、定音鼓帶入像馬戲團般的音樂，不協調的節奏、左穿右插的各種聲效、中段插入電音玩變聲，加上 Ivana vocal 聲樂大變奏，一次過曬冷，你覺得上隻碟的《粒糖有毒》去得盡嗎？沒有最盡，只有更盡。如果要強行比較的話，可以幻想一下 Carpenters 的《Sing》crossover Bjork 的《It's Oh So Quiet》，但《開籠雀》絕對是自成一格。如果香港每一隻歌都是這樣的話，樂壇有救了，儘管一定有人會說只有陳奕迅的歌詞才能引人共鳴。

合唱曲《高八度》是 show-quali 之作，是繼《手望（守望版）》（和國語版《隨你》）之後和張敬軒合唱的新歌，男唱低八度，女唱高八度，考音準考合拍，最大驚喜來自 Ivana 最後的歌劇腔（各位朋友請勿在 K 場胡亂模仿，認真的）。有買原裝正版的朋友會發現隨碟附送《高八度》的琴譜，有得聽有得彈有得唱，抵到爛啦。

大合唱作品《歌舞劇》很好玩，帶著強烈百老匯 big band 的影子（duh），brass section 更突出的話會更搶。只可惜我沒有機會去看現場表演，而且據說【柯迪夫】是不會推出 DVD 的，所以只可以幻想一下台上熱熱鬧鬧跳著舞和其他舞台上的 comic relief 的情景了。

《畫外音》是一首，出奇地，很容易令人上癮的作品。驟耳聽會覺得我們終於回到當年在【I Love My Name】時的《小天使》或【詩情．畫意】時的《滿天星》的世界，亦是王菀之最擅長的「小品」風格，最突出的是豎琴用 broken chord 造出來的清幽效果，soliloquy 時的作品吧，很美。

《開籠雀》的 reprise 一開始很 Ravel，真的很 Ravel，信不信由你。中段合唱鬼馬了，慢了但比原曲更瘋更狂，加了一段很舊巴黎的 caberet，如果小號更搶的話應該會更好玩。相信聽完 finale 之後觀眾應該會拍爛手掌，甚至有 standing ovation。

我很少寫碟評會談及周邊產品的，但【Octave】的製作也真用心，有彈出來的特別設計，有琴譜有畫冊，是粉絲的當然不能錯過，但連我這只聽音樂的人都不能不讚製作單位的認真和誠意。Like。

五首新歌，有點「到喉唔到肺」，但據悉年尾王菀之會推出國語大碟，希望是真的吧。順帶一提，對馮翰銘編曲有興趣的朋友可以試試陳奐仁的【Raw Jazz】，這張被《時代雜誌》推介的大碟絕對值得一聽，有機會再介紹。

有得入場的朋友，我等你們匯報現場情況…

二度昇華 Sade 【Soldier of Love】

Sade　Soldier of Love

1. The Moon and the Sky
2. Soldier of Love
3. Morning Bird
4. Babyfather
5. Long Hard Road
6. Be That Easy
7. Bring Me Home
8. In Another Time
9. Skin
10. The Safest Place



一零年的樂壇很精彩，精彩到十年一潤的 Sade 都出新碟。年尾要揀年度大碟就頭痛囉。

我其實並不屬於【Diamond Life】的年代，但從小已認得《Smooth Operator》這首歌。八十年代的作品很多都很易認，一段色士風，一段十分 intimate 的歌詞（想想 George Michael 的《Careless Whisper》），「quiet storm」就令你聽到如癡如醉。十年前來英國前沒有 YouTube，但家裏電視有音樂頻道，發掘主流音樂比較易。當時電視播《King of Sorrow》的 MV，一聽上癮，就去買了【Lovers Live】。懶理甚麼是 soul、甚麼是 reggae、甚麼是 dub，好聽就行。網上的樂評大多都對早期的 Sade 有很深的情意結，應該是對當年的社會文化和價值觀的一種身份認同吧，這我是不 apply 的，我喜歡的是 Sade 的音樂。

Sade 的曲風其實很簡單，他們（Sade 是一隊 band，主音叫 Sade Adu）迷人之處，是那種以靜制動、像在催眠樂迷似的音樂風格和 Sade Adu 接近 tenor range 的沉實滄桑聲線，聽慣一貫 verse-chorus 段落分明又大上大落的流行曲的朋友一開始也許不會習慣 Sade 那種細水長流的玩法。她隨意唱出的一字一句都是 vocal 廿四 K 金，加上樂隊的 groove，此刻我想不到任何比 Sade 更細膩懾人的音樂單位，這種 soul-reggae 甚至 funk 的 fusion 只此一家。我聽了十年還在聽【Lovers Live】，《Somebody Already Broke My Heart》和《Is It a Crime》是兩顆特別的珍珠。這不是返工放工迫地鐵時聽的音樂，（無錯，你，係你啦，唔好再起 peak hour 起天星聽。）在暗燈下坐定定不要用腦，隨音樂搖曳吧。

【Soldier of Love】一開始帶來了迷茫、憂怨的《The Moon and the Sky》，一段十分 slick 的結他引子就設定了這大碟超現實的環境，為主題曲《Soldier of Love》作一個前奏。主題單曲《Soldier of Love》由 military beat 主導，是一首很 aggressive 的作品，比起之前偏向談 hardship、用受害者角度寫歌的風格多了一份主動的感覺。《Morning Bird》隱晦地在背景呼應之前的 military beat，但卻是一首接近 static 的作品，鋼琴帶出的是 Sade 默默詠唱著被人離棄的傷感，與之前的硬朗作出強大的對比。

Sharp turn 之後是全碟最 sweet 最開心的第二單曲《Babyfather》。為人母親的 Sade 也不是第一次寫親情的作品，【Lovers Rock】的《The Sweetest Gift》都是為女兒而作的。Reggae 節奏帶來的是母親講給女兒聽與父親由相識開始的故事，為何要唱「Your daddy knows you're a flame 」？看看這篇訪問吧。

接著的《Long Hard Road》和《Be That Easy》是兩首樂觀的 down-tempo ballad，將我們帶回【Lovers Rock】的 soundscape。尤其是《Be That Easy》，像是舞會中慢歌環節 DJ 會打的 6/8 歌，聽得人很舒服。

3/8 + 3/8 + 2/8 的 riff 突入，配上重和音的 vocal 和 backing vocal，《Bring Me Home》是 Sade 拿手的風格，很易上癮的一首作品。之後又回到另一首 6/8 慢歌《In Another Time》，很 intimate 的一首歌，很八十年代。《Skin》是一首十分迷人的 quiet storm 或 after hours 的 lounge，隨著旋轉令人想到某年代的紙醉金迷，不太刻意但很美。與【Lovers Rock】一樣，最後的《The Safest Place》是一首慢作，慢慢詠唱呼應主題，為大碟完美的落幕。

很久沒有遇到一隻這麼 magnetic 的大碟了，如果說【Lovers Rock】是 Sade 的成熟作，【Soldier of Love】便是更上一層樓。希望二度昇華的 Sade 不要再令樂迷又等十年。Meanwhile，我又想再聽多次【Lovers Live】。



延伸閱讀：
Sade 官網
Sade：十年新作 by 袁智聰
依然動人Sade- Soldier Of Love by Uncle Ray's Corner

冰島雲雀 Jónsi 【Go】

Jónsi　Go

1. Go Do
2. Animal Arithmetic
3. Tornado
4. Boy Lilikoi
5. Sinking Friendships
6. Kolniður
7. Around Us
8. Grow Till Tall
9. Hengilás



高中時我很喜歡 Sigur Rós 這隊冰島樂隊，在黑暗中聽住【Ágætis Byrjun】和【( )】，讓那異國的神秘感一步一步將思想帶入一個新的 dimension，隨著主音 Jónsi 那招牌特大 echo 假音進入無重狀態，在幻想中遊走，第一次發現這接近 static 但又激昂澎湃的 soundscape 時是多麼震撼人心。現時 Sigur Rós 小休，也許是一件好事，前年的【Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust】很好，但之前的【Takk...】感覺上很商業化，有點似為做而做。他們已到了一個需要重新定位的十字路口，之前那種感覺不復再。

最近「回歸」外國流行樂，其中一隻我十分十分喜歡的就是 Jónsi 的個人大碟【Go】。Jónsi 一反常態，著上像《薩爾達傳說》主角般的雀鳥服飾走到封面上，是男友 Alex Somers 的點子嗎？不單止造型，一開首的《Go Do》由聲效到 MV 都是和雀有關的，不是 Messiaen 的那種，但重 percussion 配笛子不斷交叉周旋這感覺很新鮮，強勁節奏加上 Jónsi 的招牌假音，只此一家。MV 一定要看。之後的《Boy Lilikoi》好像是《Go Do》的後篇，一樣夠 pop 夠好玩，來一段好 MV 就正了。

今次 Jónsi 出個人大碟，很難不與 Sigur Rós 比較。的確，開首的《Go Do》和《Animal Arithmetic》都像是延續【Með Suð】中的《Gobbledigook》和《Inní Mér Syngur Vitleysingur》那種帶有北歐民族風味，很天然、很 raw、很自由的感覺，在早期的 Sigur Rós 是找不到的。《Animal Arithmetic》的編曲十分精彩，直接得來十分斑斕，簡單的旋律配強勁的節奏，用作 encore 最適合。編曲帶點 minimalism 的 《Sinking Friendship》也不錯。

懷念早期 Sigur Rós「post-rock」作品的朋友可以在《Tornado》、《Kolniður》、《Grow Till Tall》和《Hengilás》中找到一絲慰藉。《Kolniður》的暗湧有點像【Volta】時期的 Björk。聽著《Grow Till Tall》令我想起當年用大提琴弓彈電結他的 Jónsi。也許這種以慢打快的玩法才是皇道。

過了【Go】宣傳期之後 Jónsi 的下一步是甚麼呢？回歸 Sigur Rós？繼續個人流行實驗？十分令人期待呢。我想聽 Sigur Rós 的新作啊。



延伸閱讀：
Jónsi：去吧！冰島天使 by 袁智聰
Jonsi 《Go》 by 夜戀水仙園
Sigur Ros 以外的獨腳戲: Jónsi - Go by [make noise]

邊個有病？ 何韻詩【Ten Days in the Madhouse】（下）

黛瑪繼續行，碰到了一名在扮西班牙騎士、自稱《唐吉訶德》的陽光宅男，安居在套房裏打機自得其樂。用代表遊戲 BGM 的 riff 開始，一首由 motif、effect 到歌詞都反映著（早期）電腦遊戲 sound effect 的作品反而在大碟裏顯得不太突出，有一段很順耳的旋律，驟耳下聽好像是一首平庸的流行曲，細聽下才發現歌的玩味，一定要用心聽，一定要關掉 MSN prompt 去聽。

離開了陽光宅男之後黛瑪碰到了《少年維特》，他有很多煩惱，很「灰」。有幾「灰」？黃偉文在一首歌內寫出了所有令新一代少年（甚至青年）沮喪的問題：無錢無女無朋友、自我形象低落、前途未卜等等。是不是煩惱乃是觀點角度的問題，不要批判，畢竟每個人的背景及價值觀不同，但為何社會會同時令到那麼多少年煩惱？那卻是值得思考的問題。這首歌是全碟最黑暗的作品，有點憤怒，有點 emo。鋼琴低開，配上 synthesiser 在高音細磨，一開始就造出不協調的效果，之後再加入管風琴、弦樂、military beats，在後段怒唱時又加入與拍子 out-sync 的讀白，由始至終都與自身對抗，充分反映主題，是大碟最佳作之一。

收一收火，愛愛自己愛愛人，聽大碟第二首由鋼琴主導的 ballad。甚麼是愛？學校有教嗎？沒有的話，《愛得蒙多》寫的《愛的教育》有嗎？在書本學過的又能不能活學活用？你我都經歷過的一試定生死，埋沒了很多人才、智慧與創意，也埋沒了愛，相信大家自有一番親身體會。

尾二的這一首歌是我一開始買【Ten Days】的原因。在【Supergoo】中簡單、無添加的結他、鋼琴、人聲 jam 令我想起當年聽 Brit-pop 的喜悅，聽完又聽聽完又聽。買了【Ten Days】後第一首聽的就是這首歌，《風見志郎》，原來 album version 是在海邊錄音的，concept 一絕。為甚麼要借八十年代的幪面超人 V3 去拯救環境被污染的世界？我想是「風見」這個名吧。

黛瑪去到最後，發現終點就是起點，當紅歌姬青山黛瑪化身成日本「永遠之歌姬」《美空雲雀》，黃偉文又玩食字，來個首尾呼應。黛瑪寂靜的行，隨住結他與鼓的 suspension 這朵青山之花向光明開到高、開到盡，化成雲雀向美空進發。可是之前是風見志郎，為甚麼當代的問題統統要借上一代的人物去解決？只是玩 gimmick 湊巧吧，我不相信 hocc 或各填詞人是刻意帶住批判性的態度去寫的，反而，共同面對問題才是解決的方法，要打破人與人之間的隔膜彼此都要付出，也許將希望寄託於天真無邪的下一代是一個好開始，不斷在世代之間搞分化的傳媒也應該借這一首歌思考一下。

如果你覺得【Ten Days in the Madhouse】很難明的話，找一個星期六中午坐地鐵（記得有需要時讓座）、行中環，你會見到一些中產大少爺在左邊一邊玩 NDS 一邊怨這怨那，右邊有個婆婆在執紙皮，中間夾住了一對著住全身名牌服飾的情侶在打情罵俏排隊買限量版波鞋。不要批判，但要思考，想想社會的毒瘤在哪裏。同樣地，不要懶，用心聽、用心思考這張大碟，不要恃著「用錢買娛樂」的心態去聽歌，一點耐性會帶來一點意義，是個真事。

良久沒有遇上一張令我如此專注聽的大碟了。在香港有毅力玩 concept album，仲要玩到如此貫徹始終，hocc 與各合作伙伴，我向你們致敬，希望 hocc 妳能帶來更多有意義的作品！

我知，我會買【Heroes】的了。



延伸閱讀：
Ten Days In The Madhouse: 好想學你安居這套房... by D Blog
社會科教材：何韻詩《Ten Days In The Madhouse》 by 三十過後一個人住
何韻詩《Ten Days In The Madhouse》不瘋 by Alternative Journalist

邊個有病？ 何韻詩【Ten Days in the Madhouse】（上）

何韻詩　Ten Days in the Madhouse

1. 青山黛瑪
2. 安妮寶貝
3. 楊子經書
4. 丹賴斯隊
5. 查理淑儀
6. 堂吉訶德
7. 少年維特
8. 愛德蒙多
9. 風見志郎
10. 美空雲雀



寫何韻詩的碟評，我不得不非常小心，因為我身邊實在有太多 hocc 的粉絲了！

請恕在下孤陋寡聞，遲遲沒有用心聽何韻詩的音樂。前陣子聽了不少椎名林檎，朋友們便不約而同地問我有沒有聽何韻詩，我很慚愧的說除了《勞斯．萊斯》、《韻律泳》等比較出名的作品之外就沒有。這當然不是指椎名林檎和何韻詩這兩個單位在音樂上有甚麼必然的關係，只是突然被人指點迷津，才發現自己錯失了與一位本土的獨特音樂 icon 一起成長的機會。於是聖誕節時特地去買了新的【Supergoo】演唱會專輯，想著，只是聽音樂嘛，live 應該比 studio 錄音來得真摰直接吧。聽了一段時間才發現天外有天，conceptual album 的作品，要整隻 album 來聽才聽得出更大的意義。Backtrack 下的第一張專輯就是【Ten Days in the Madhouse】。

我所認識的 hocc 粉絲（叫「菇徒」吧）中，每位喜歡她的原因都頗不同，有的是因為她的 image，有修讀文學的朋友欣賞她行小眾但顧大眾的態度，亦有玩音樂的朋友喜歡她與兄長何秉舜、陳奐仁合作的火花。聽了【Ten Days in the Madhouse】之後，一次過明白了這三種魔力。一張大碟可從，亦需從，多個角度欣賞，難怪很多樂迷對這碟的評價都是一字記之曰：「深。」

幾年前我不喜歡聽香港流行曲，因為直覺上很多在音樂和題材上都很公式化，沒有新意，那顯然是歧視。【Ten Days in the Madhouse】就是同時在音樂和題材上都破格的佳佳作，也是「香港還有好藝術」的好例子。十首不同風格的流行曲，借古今人物、文學作品談社會現象，怎能不深？誰是美空雲雀？風見志郎又是甚麼東東？

《青山黛瑪》，又是黃偉文玩 gimmick 的玩意，用當紅日本歌姬的名字語帶 N 關食字去談「精神病者」。黛瑪是 hocc 的代碼，她與世人的思想和生活不同，不跟遊戲規則玩就被看成瘋子，孑然離開青山（大樂隊）探討「正常人」的世界，這也許是 hocc 自身的寫照，也是大碟的設定。黛瑪一開始獨自唱著，設定孤寂的環境，其他樂器再慢慢加入，讓這朵「青山之花」慢慢綻放，開到高、開到盡，陳奐仁寫的旋律高到不饒人，好在何韻詩能凌駕她的聲線唱出那高低起伏，一讚。間中的口哨聲和最尾一段誇張的和音也很酷呢。

買這張大碟聽，都算是物質享受。黛瑪離開青山之後見到的第一種現象，就是貧富懸殊。吃不飽、沒有享受過物質的小朋友拿著一個洋娃娃都很快樂，但社會著眼、傳媒報導的，是富翁的消費主義，甚麼是快樂？《安妮寶貝》用輕鬆的編曲襯托這簡單的快樂。很喜歡鋼琴與結他的 groove，也很喜歡周耀輝感性的歌詞：「求甚麼？媽媽愛我／懷著大志的我／一天當個作家，頌讚她／窮甚麼都可歡笑過／憑著力氣的我／當天一切再差，還有家、我的城市」，聽著卻有點令人慚愧。

之後的《楊子經書》和《丹賴斯隊》是兩首很不 hocc 的歌，兩首都有大量電子效果和很多後期製作。前者從字面借楊子「為我」的思想談香港人的自私自利，在地鐵不肯讓座，後者則用一名美國小丑講香港人愛跟大隊的羊群心理。音樂上兩首算是比較直接，重 techno beat 加 distorted vocal line 的效果在香港樂壇頗少見，算是破格，但引用的典故用在這兩個題材上好像有點奇怪。

在幾首實驗性比較高的作品中間夾住了一首簡簡單單的《查理淑儀》，典型的 ballad，用 E - A - G# - E 為基礎的旋律很美。我很喜歡這首歌，因為我認識很多現實世界的「查理」和「淑儀」，在平凡情況下結合的一對對，共同面對了很多風風雨雨但仍視對方為依歸，真的「是個真事， 是有戀愛這件事」。黃偉文敏銳地寫出了一對夫妻在小天地的大快樂，寫出了久違了的「真愛」這概念，有如《韻律泳》般甜蜜。【Ten Days】的紀錄片【十日談】 裏有一對比較特別的例子，值得一看。

（待續）

曾經熱血 Blur【All the People: Live at Hyde Park 03 July 2009】

Blur All the People: Live at Hyde Park 03 July 2009

01. She's So High
02. Girls and Boys
03. Tracy Jacks
04. There's No Other Way
05. Jubilee
06. Badhead
07. Beetlebum
08. Out of Time
09. Trimm Trabb
10. Coffee & TV
11. Tender

01. Country House
02. Oily House
03. Chemical World
04. Sunday Sunday
05. Parklife
06. End of a Century
07. To the End
08. This is a Low
09. Popscene
10. Advert
11. Song 2
12. Death of a Party
13. For Tomorrow
14. The Universal



曾經留學英國的大朋友應該都會接觸過 Blur 這隊比英女皇更「英國」的樂隊。當時有邊個唔認得《Parklife》或《Coffee & TV》的 riff？中學的時候，星期六下午，大大聲唱《Song 2》，Woohoo 到俾人拍門，再有人一齊 join in，瘋瘋癲癲的又一個星期。又或者 Battle of the Bands 揀《Charmless Man》寸其他 house 的人，辣著的火頭由年頭的 house rugby 到年尾的 house music 都未燒完，英國 80 後中學時期的青春熱血是這樣的，往事只能回味。

中學升大學，大學再升呢到社會大學，各自各向理想出發，偶然聚首，但永遠總是不一樣。Blur 就是這樣，Graham Coxon 離隊玩 solo，Damon Albarn 又有 N 咁多個 side project，一個去從政，感覺上 Blur 已經玩完。幾年來無消息，年初突然宣佈復合，在海德公園舉行一連兩場演唱會，嘩，不得了，咁堅？出唔出碟？

於是來了這套拉闊專輯，聖誕假期時買的。《Beetlebum》、《The Universal》等又一次在耳筒內響起，剛剛在飛機上樂透了我好幾個小時。歲月不留人不緊要，parklife 變 porklife 也不緊要，嗓子累了火又收了都不緊要，意義大於一切。在十萬尺高空上聽全場人唱《Tender》，我都想一齊唱，可惜鄰座正在熟睡的 rugby player 有可能會揼我幾錘（他有可能是 Oasis 或 Suede 的粉絲）。

在白色的英國再一次聽 Blur，寒冷的冬天變得很暖：那是熱血。